《舞者》（国画）林若熹 作

　　采访者：杨逸

　　受访者：林若熹

　　7月2日，“林若熹2016新作展”在广州天泰美术馆开幕，展出中国艺术研究院中国画院教授、博士生导师林若熹近年创作的一系列书画作品，涵盖了白描、写意、工笔、没骨、书法等艺术家今年主要的艺术实践形式。展览将持续至8月2日。

　　据介绍，本次展览是天泰美术馆的“中法艺术巨匠”系列首展，也是美术馆正式开馆前、根据林若熹的艺术观点策划的第一场展览。画展的开幕式同样别开生面：天泰美术馆联手法国知名时装学院ESMOD、时尚女装品牌熙然送上一场国画与时装的“跨界”大秀。三款以林若熹的画作为灵感设计的时装，也在开幕式上向观众亮相。

　　多年来，林若熹一直在对传统进行认真且富有探索性的实践。他借鉴了现代艺术的某些因素，对中国画传统进行解读，实现古典艺术式的渐变。本次画展举行期间，林若熹接受了记者采访，分享他近年艺术探索的理念和心得。

　　谈跨界

　　艺术的当代传播离不开工业文明

　　记者：这次展览为何选择与时尚跨界的方式进行？您如何看待时尚设计与艺术创作之间的关系？

　　林若熹：在农业文明时代，中国一直都有“重农抑商”的传统。随着商品经济的活跃，商人地位不断上升，商人文化也渐渐与士人文化产生交融。进入到工业文明时代，商业更是我们无法回避的关键词，艺术也从贵族走进大众。我认为，艺术固然有高端的部分，但这部分毕竟只属于少数人，大众化是全球性的趋势，也是无可回避的事实。时尚作为大众艺术中的典型，对服装与艺术进行结合，也自然水到渠成。因此，我将自己绘画作品中的一些符号元素，再次运用到服装之中，希望能成为服装与艺术沟通的桥梁。

　　谈国画

　　岭南人奠定中国现代绘画的“原点”

　　记者：您曾表示：中国画的灵魂是“线”。而您在创作中既保留了传统的“线”，也使用了西方艺术的色彩构成。两种因素如何能在同一幅画面保持共融？

　　林若熹：线条是中国画的根本。中国画的发展史，也可以说是“线”在不同时期的演变史。国画的色彩是意象的，是一种主观感受的色彩，而不是完全与自然对应的颜色。而西方的色彩学则是另一个传统，尤其是20世纪通过对光的研究，得到科学实验的支持，形成了系统的色彩构成理论。我认为，中西两种色彩理论是可以互补的，但并不是互相代替的关系。中国画始终还是要符合中国画的基本原则，否则就不是中国画了。只要国画的线条没有根本改变，学习西方的色彩构成仍然无碍保持国画传统。

　　记者：作为一位来自岭南的画家，您认为“岭南画派”的概念对今天的艺术交流还是否具有意义？

　　林若熹：过去由于交通与信息的不发达，导致南北文化出现很大差异。但今天我们从广州飞到北京只需3个小时。在这种情况下，再用地域概念来分辨画派已经意义不大了。然而，岭南画派在20世纪形成的传统，对今天还是很有影响的。毕竟广州是最早接触西方文化的地区，对西方艺术的学习也最为透彻，比如李铁夫的油画。又如居廉、居巢的撞水撞粉法，被认为是“中国现代绘画的原点”。他们带动国画从线条、到墨、到水的审美，为国画注入了现代绘画的元素，余波一直影响到现在的实验水墨。他们对国画带来的革命性影响，是我们无法忽视的。

　　谈创作

　　离开观众的绘画没有意义

　　记者：您过去不少画作讲究设计和理性，您如何看待理性与感性对艺术创作带来的作用？

　　林若熹：有人说建筑是“命题作文”，其实绘画也一样。很多人认为艺术家就是天马行空、感情用事。固然，艺术的概念很广泛，也离不开个性与感情。然而，当艺术家要创作一幅作品时，这就不一样了：作品是必须考虑观众的，否则绘画就没有意义。我在进行创新的时候，也需要考虑到观众的感受：究竟这幅作品别人看起来，还是否符合中国画的法则？绘画离不开大众约定俗成的审美要求。而考虑到观众的艺术家也必须是理性的、而且需要超乎寻常的理性，才能使超乎寻常的感性得到准确的表达。

　　（编辑：杨晶）