作者：陈立红
邵大箴先生接受采访
被访人：邵大箴
采访人：陈立红
时 间：2011年12月16日下午3:00
地 点：中央美术学院学术委员会办公室
陈立红（中国美协首届少数民族青年美术家创作高研班画家、美术学硕士。以下简称陈）：邵先生您好！你是中国当代著名的美术史论家，著作等身，文采斐然，我们都很敬仰您。但却不知道邵先生在为文之余，还深谙水墨之道，今天请您谈谈在水墨创作实践中的一些经历和思考，好吗？
邵大箴（中央美术学院教授、博士生导师。以下简称邵）：画画是有感而发，因此，一定要笔蕴情感，行之于笔墨。写文章是这样，画亦如此。我从小就喜欢画画，但大学却学的是中文。后来有了机缘，被组织选拔到苏联留学，读的是史论系，主攻西方美术史教育。我对艺术的理解，在中学、大学，一直到留苏期间，一直是“泛美术史”的理解，并不是从中国美术的角度去理解。所谓泛美术史，实际上是指以西方为主体的，从埃及、两河流域、古希腊罗马、中世纪美术、文艺复兴……一直到现代早期的美术，当时我只是从绘画的一般角度去看中国画，总感觉到中国画和其他民族的绘画不一样，继而发现了它通过笔墨来表现意境的写意性特征。
陈：您是学文的，是否有过学画的经历？
邵：说实话，我在苏联学过素描，一至三年级时每周有两个上午要画素描、速写、水彩，还要画一点油画，做一点雕塑，这是对每个美术史学生的基本要求。坦白地说，我对素描没有很大兴趣，没有心思用铅笔或者用炭笔画它的体面。但对速写我有兴趣。这大概是我所以选择水墨画的一个重要原因。说实话，我画人物速写，很随意，画得像漫画似的，《人民日报》曾发表过我的一幅铅笔自画像，感觉还蛮有趣味。
陈：您回国后一直在中央美院从事理论研究和教学工作，并在《美术研究》杂志兼任主编，那您是什么时候开始对水墨画感兴趣的呢？
邵：我从80年代末期开始在工作之余画点水墨画，并直接画在宣纸上。刚开始是按一般的造型和构图要求，从画面的整体效果出发来画，接着开始临摹作品。不过我的临摹不像有些画家那样对作品做长期临摹，我主要是意临，先领会再画，画了以后再对比，不一定按照它的造型和构图，而是按它的方法来画。我家里的画册很多，我认真看，认真体会，再加以比较，慢慢才发现我的画和经典作品最大的差别不在于造型，而在于笔墨，在于笔的力度、节奏和张力，墨的韵律感和流动感。于是，我就开始注意笔墨，从书法中体会笔墨，还认真研读中国古代绘画理论。虽然原来对“形神兼备”、“笔墨趣味”等词汇有所了解，但是自己不画，体会得并不深。所以，画了一两年以后，逐渐知道了这里面大有学问。
陈：中国的水墨画和道家的“玄素”观念有着密切的联系，而且对墨色的浓、淡干、湿变化也特别关注，它早已形成了自己独特的审美品格和技法体系。
邵：是啊，水墨画接受的是中国文化中的“以柔克刚”思想，用一种很温和的方法表达内心强烈的情绪和感受。这种笔墨不同于西方绘画，西画中也有笔，也有色彩，但是它的用笔和中国毛笔的用法区别很大。西方绘画也用毛笔，一种扁平的毛笔，虽然它对造型很便利，但是笔的轻重、疾徐、提按变化，笔所造成的不同力量在画面上的不断变化，却是西画所没有的，这是第一点。第二点，中国的墨是一种单色，一种黑的色彩。所谓“墨分五色”，实际是指水墨中的五种色阶的层次变化。第三点，中国人的头发是黑的，因此对黑的色彩情有独钟，道家、老子的学说里对黑、墨的理解很深刻，这种清谈和朴素之美，令人神往。我通过用墨，体会到了墨的七种层次变化，体会到了用墨的学问。[NextPage]
邵大箴先生近照
陈：您在美术理论方面的成就尽人皆知，毋庸置疑，但我想问您在水墨画的创作过程中对自己的画有过怀疑吗？
邵：没有。我一开始画画就受到很大的鼓励，是卢沉和周思聪夫妇的鼓励。那时卢沉和周思聪就住在我的楼下。有一次，周思聪到我家来看我的书柜，无意间发现了我挂在墙上的画，她很惊讶，说：“你画的很有黄宾虹的味道”。然后，她告诉我要注意哪些问题，并提了很多意见。对我鼓励最大的是卢沉，画了三四年以后，卢沉开始欣赏我的画，他一直很注意非专业人士的画和儿童画，就是那些没有经过训练的人画画。他认为没有规矩约束的画会有另外一种趣味，一种天然的趣味。他们对我的鼓励使我越画越有信心，当然，还有钱绍武、王镛，周韶华等朋友对我的鼓励也不小。
陈：您的作品有一种南方山水的灵秀意蕴，还有一种厚积薄发的文人气息，并且是自然而然，没有一点雕琢痕迹，这是我的真实感受。
邵：我画画的转折点，是我和刘大为他们一起到广西，到百色地区写生。从百色到南宁这一段，有着连绵不断的小山丘，还有稻田及树木。我印象最深的，是各种各样的山头，这种山头不同于漓江的山头，是小山头，田野、树木组合在一起很入画。当时我画画的热情非常高，回来以后，又画了很多画，我的山水画受广西山水的启发很大，这些小山头，有起伏，有变化，很适合水墨表现。
陈：您怎样看中国画的程式化与个体的独创性？
邵：中国画有固定程式，这个程式包括笔墨的各种皴法和墨法。画画就像结蚕茧一样，会造成一种固定的模式，我也知道这个模式是我自己的，但有时又感觉到这个模式束缚着自己。我把很多画放在一起，结果发现，我的起笔都从一个地方开始，收笔又都从同一个地方收。因此，一定要在程式中有所突破，有人说文人画有统一的笔墨方法，这显然是错误的，笔墨只有大致的规范，但是它没有绝对的规则，我们不能用一种章法去要求一切人都要这样画，要寻找自己独特的面貌。
陈：您经常写生吗？您怎么看中国画写生与创作的关系？
邵：我一般不写生，平常就带个小本子稍微记一下。我也不用相片，虽然也可以参考，但是我没有利用照片来画画的习惯，所以我的画往往是我感觉的东西，我到西郊去看看，回来画西山的印象，这个印象实际上就不是完全按实际的自然景色去画的。中国画的写生很重要，是默识心记，非常主观。可能是带点纸张勾几笔，带着小本子打草稿。黄宾虹的学生曾说黄宾虹在火车上画速写，画山头，可是他画这个山头时，火车已经开了十几里了，所以他实际上画的是感觉、印象。
陈：您为什么选择山水题材？
邵：我很赞赏那些素描功力强，造型水平很高的人，但是我自己不愿意这样画，所以我选择了山水题材。山水画可以很自由，甚至可以放任些，随意些，画的时候更有情趣一些。其他题材不像山水画那么自由，而且山水画更能体现和发挥笔墨性能，不要怕破格，不要担心别人说从未看到过这个景色，画画应该是很自由的，可以自由发挥。[NextPage]
陈：从您的作品当中，可以看出您适意、澹然的生活状态，您的画面中凸显出一种平和、宽厚的人格魅力，看来，想画好中国画的确得靠深厚的学养。
邵：画画是很愉快的事情，能够调节自己的心境，能够陶冶自己的性情。假如人家也感到愉快，那则更好。苦闷可以画画，愉快可以画画，但是急躁、浮躁不能画画，因为着急，就画不好。所以我在南方展览时的一些小画，很多人喜欢，这些小画都是我感冒时在家休养时画出来的，非常安静，没人打扰。一般而言，稍微好点的画都是在安静平和状态中画出来的，这反过来也教育自己，做事要有平静的心情。此外，画画还要有自信心，要独断专行。90年代初期，张仃办展时，我曾写过一篇题为《广听批评，一意孤行》的文章，深得张仃赞同。
陈：您在水墨探索的道路上坚持了这么多年，一定有很深的体会。
邵：我画画是在80年代末期，开始画的时候很苦恼，画得不好时也苦恼，真正感觉到自己的作品有点水墨画的味道是在90年代，这时开始有一点自己的体会了，有一种自在的感觉，应该是这样。
陈：听说您以前做过展览，您的第一个个展是04年在国际艺苑，此后又接连办了几个展览，能不能谈谈这方面的情况？
邵：可以，2004年，我正好70岁，我的学生范迪安、殷双喜他们说帮我办个展览，一周前才定下，比较仓促，但是当时各方面反映都不错。去了700多人，挤满了国际艺苑，而且都是美术界名流。我是研究理论的，国画、油画、版画、雕塑界的朋友都来了，包括华君武先生，展览后他派人给我送来了亲笔题字，那时他已年近90高龄。2006年我在江苏老家镇江博物馆办了展览，2008年，又在上海办了展览。通过这些展览，我增加了自信，同时心绪更宁静了，对中国画的难度体会更深了。真正的创新，很不容易。既要有胆识，又要有修养，又要有控制能力，艺术创造并不是那么容易的事，画出来的东西瞒不了人，只能努力、认真去做。
陈：谢谢邵先生，从您的谈话中我受益良多，预祝您这次的展览圆满成功！
邵大箴简历：
邵大箴，1934年生，江苏镇江人。1955年赴苏联列宾美术学院美术史系学习，1960年7月毕业后回国任教于中央美术学院，长期从事西方美术史和中国现代美术的研究与教学，并研习水墨山水。
曾任《世界美术》主编、中国美术家协会书记处书记、《美术》杂志主编，美协理论委员会主任，现任中央美术学院教授、美术学硏究所所长、《美术研究》主编、中国美术家协会理事。
自1996年以来，先后在澳大利亚西悉尼动力美术馆、北京国际艺苑、江苏美术馆、镇江博物馆、南通城市美术馆、上海水墨焦聚美术馆、北京天雅古玩域艺术馆举办个人山水画展。
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（编辑：符素影）
