首届金逸奖获奖艺术家杨佴旻精心创作的15幅水墨画作正在上海展出。与人们心中的水墨画不同的是，杨佴旻的画作不仅有墨色，更有各种绚烂的色彩。
据悉，中国古代绘画多五彩兼具，唐宋以后，渐向水墨发展，后以墨为绘画之主彩。中国画由墨相向着色彩转向是近百年来中国画家实践中的难题。杨佴旻把艺术家的创作比作“在实验室的农民”，认为每个人都在做自己的试验。
杨佴旻生于世代工匠之家，少年时就学习水墨画，在大学兼学中西画。在日本东洋美术研究所名古屋水墨画研究室担任主任研究员时，他除了研究日本画变革的历史外，也对当代西方艺术的状况进行考察。杨佴旻接受记者采访时表示，艺术的伟大在于它无止境。“把过去的形式总结归纳了来限制今天和以后的发展，这是画地为牢。”他直言，不应该将传统撕裂，西方艺术不等于现代，东方艺术也不等于传统。糅合不同的艺术形式就是继承传统；而发展，并不代表失去自我，磨灭原本的特色。
中国画是国人的原创。艺术家如何用传统材料，让中国画走向世界？这是杨佴旻数十年来探索的话题。这位画家的创作仍用水墨材料工具，如宣纸、墨、毛笔和中国颜料，保持了水墨画的透明性。同时，画面却逐渐将色彩作为主角，在题材、构图、造型、光线、笔法、情调和境界等方面形成了独具个人风格的现代水墨画。他说，要让中国画走向世界，让更多人喜欢中华文化，就需要艺术家用人们喜闻乐见的方式解读中国绘画艺术。他认为，色彩就是容易被世界民众理解和接受的元素。
记者看到，杨佴旻把静物、风景笼罩在柔和朦胧的光线里，作品宁静且安详，散发着抚慰人心的力量。“洋气”的画面中弥散着隽永的东方韵致。
谈及杨佴旻的创作，南京艺术学院院长刘伟冬表示，杨佴旻在创作中使用的就是最为传统的中国画材料，但他对色彩在绘画中的作用和意义进行了重新定义。他隐没线条，突出色彩，用色彩塑形造物，有色彩结构来营造节奏和空间。刘伟冬指出，在杨佴旻的作品中，很少会看到景点的传统模本，也没有西方的经典范式。他将色彩丰富的表现力凝练成语言的基本单位，无论在山水、人物，还是景物、花卉的造句中，都能组合成优美绚烂的词句。
（编辑：李思）
