从保罗·塞尚画笔下的美丽家乡到充满争议的马塞尔·杜尚“实物艺术”再到天使般单纯绘画的杰克逊·波洛克，20世纪的艺术反映出一个变幻、抽象且充 满想象的世界，同时也留给我们无尽的艺术瑰宝。
保罗·塞尚——《圣维克多山》
保罗·塞尚——《圣维克多山》 1890年 65cm×81cm 私人藏
《圣维克多山》是塞尚家乡埃克斯附近的风景。围绕这一主题，画家孜孜不倦地探索了近20年，留下了许多同一题材的变体画。这幅作品是塞尚晚年的杰作 ，也是他艺术思想的集中体现。画中的景物飘浮在色彩之中，景物的远近关系、空间关系完全被几何形体所替代。如同一曲层次丰富而和谐的交响诗。
20世纪（的艺术史）由一位画山的画家开启。塞尚在20世纪之初创作的终极杰作摒弃了视觉的处理方式，其作品流露出的是作者在创作时无穷无尽的复杂感 受。每一笔背后都包含着一个故事。从弗洛伊德到爱因斯坦，现代思想革命都能在塞尚充满革命性的犀利眼神中找到他们的典范。
毕加索——《亚威农少女》
毕加索——《亚威农少女》1907年 244×234cm 纽约现代艺术博物馆藏
《亚威农少女》由西班牙著名画家毕加索创作于1907年，是第一张被认为有立体主义倾向的作品。
作为毕加索的最能引起无止尽争议的画作，亚威农少女们在今天仍然令人眼前为之一亮。人们能感受到各种疯狂从封闭的绘画空间爆发而出：从蓝色的水晶 洞穴中喷发而出的胴体，带着面具的脸蛋。当他在创作这幅混沌的代表作时，毕加索所追寻的“野蛮”艺术使得他能在超现实主义诞生之前就对其有所突破。[NextPage]
亨利·马蒂斯——《舞蹈》
亨利·马蒂斯——《舞蹈》 1910年 260×391cm 俄罗斯圣彼得堡历史遗产博物馆藏
野兽派核心画家马蒂斯的《舞蹈》，色彩和线条就像词语之间激情的结合，体现着色和构图结合的情趣。线条是舞蹈流动的痕迹，而色彩使得抽象画面更为 干净。线条和色块在马蒂斯那里非常合乎美感地融合起来，它所产生的空间感让舞者有了自由舞蹈的姿态。五个舞者相互协作，群舞的一致性让舞蹈自然产生生 命感和由此带来的喜悦。
马蒂斯使得改革看上去变得永恒。这些画面中色彩绚丽的抽象人体在刚被创作诞生之时似乎毫无意义，但就如今而言俨然已显得永恒。马蒂斯将他那个时代 兴起的“原始”热情转化成一门浸透入悠久艺术史中的随性且复杂的语言。在洞壁上临摹普桑的画作（NicolasPoussin）就是这种转化的成果之一，将古典主义 隐匿于这一原始形态中。
乔治·布拉——《弹吉他的男人》
乔治·布拉——《弹吉他的男人》
创作这幅作品的时候，布拉克正同毕加索一道探索一个全新的触觉世界的时候创作的，他俩将那时两人的关系戏称为“绑在一根绳子上的登山者”。
两人倡导的艺术革新则被昵称为立体主义。立体主义不仅反对传统的绘画创作手法，而且也反对这样一种期待——艺术必须是世界可见表面的体现。同 其他立体主义的作品一样，这幅画作试图通过对事物构架的探索来领会现实的重量。正是在这一求索的尝试中，作者自身的丰富体验感受以及对清晰的所画对象 的合理想象都瓦解为在黑暗中涌动翻滚的视觉效果。[NextPage]
翁贝托·薄丘尼——《空间中连续性的唯一形体》
翁贝托·薄丘尼——《空间中连续性的唯一形体》
这一歌颂速度，活力以及竞技精神的作品出自于这样一个时代：全世界都在大跨步前进，且对人类进步的这一事实深信不疑。薄丘尼或许是未来主义运动中 最伟大的艺术家。同所有未来主义艺术一样，这一雕塑是一种宣传方式，是对新事物毫无掩饰的肆意歌颂。他通过将自己想象成一名未来战士创造出一幅在空间 扭曲的云朵上不断自我延伸的景象，而自我也在时空中随之消失。
卡济米尔·谢韦里诺维奇·马列维奇——《白底上的黑色方块》
卡济米尔·谢韦里诺维奇·马列维奇——《白底上的黑色方块》 1913年 圣彼得堡俄罗斯国立博物馆藏
1913年，他在白纸上用铅笔画了一幅《白底上的黑色方块》。这一简约新颖的构图成为至上主义产生的标志。
20世纪早期创作的抽象艺术绘画中，最为极端简洁的终极作品非黑色方块莫属。该作品就只有一个黑色的正方形方块而已，并随着时间莫名其妙地成为一个难以忘记的符号。同其他包括康定斯基和蒙德里安在内的抽象主义艺术家一样，马列维奇拥有一种准宗教视野。他创作的黑色方块能一针见血地道明某种无法言语的启示。[NextPage]
勒内·玛格丽特——《形象的背叛》
勒内·玛格丽特——《形象的背叛》
对于超现实主义运动而言，现实就是一个被梦境的真实性所揭穿的谎言。玛格丽特在这一运动中担任常驻哲学家的角色。通过这一作品简明扼要地表达了他 的这样一种想法：由于形象的欺骗性和命名的任意性，所有物体并不是我们想象中熟悉的东西而是被我们贴上了无谓的标记的深不可测的玩意。
马塞尔·杜尚——《喷泉》
马塞尔·杜尚——《喷泉》
喷泉（Fountain）是马塞尔·杜尚1917年的作品。这是他称为“现成物”（也被称为“实物艺术”）的作品之一，因为他使用了早已存在的物品--这个作品 用的是小便兜（小便斗），命名为“喷泉”，有“R. Mutt”的签名字样。杜尚把这件作品提交给一场艺术展作为挑衅，但作品不久后就遗失了。这件作品，以及 提交这件作品的行为，被认为是20世纪艺术的一个重要里程碑。
20世纪在还未进入20年代前，对于大多数了解当代艺术实验的小众人群而言，他们仍被马蒂斯明亮的色彩所震撼，仍然难以接受毕加索对美的侮辱。杜尚将 一个陶瓷尿壶提交到纽约艺术展要求展出时，人们又会有什么反应呢？最终纽约艺术展接受了这一展品，这一带有R Mutt签名和1917日期的“喷泉”作品被人们 用相机拍下并被人们所记住。它不但成为了艺术，而且还永远地改变了艺术。[NextPage]
汉娜·霍克——《用达达餐刀切除德国最后的魏玛啤酒肚文化纪元》
汉娜·霍克——《用达达餐刀切除德国最后的魏玛啤酒肚文化纪元》
在这件《达达用餐刀切除德国最后的魏玛啤酒肚文化纪元》中，她展示了这些综合的主题，艺术家以一种似乎偶然的方式，将有选择性的剪切照片混合排列 在一起。霍克将她的照片出现在右下角，与一张欧洲地图饼子在一起， 展现了妇女解放的进步。霍克意识到妇女与达达都必须撼动社会，她创造出了这种信仰的 有力的视觉宣言。
这一汇集了视觉玩笑和尖酸刻薄的政治嘲讽（这些暗指魏玛政权下政治家和名流们的嘲讽同乔治王朝时代Gillray的政治卡通画 一样艰深晦涩）的史诗级作 品对达达主义-这一20世纪最具进攻性然而又最富有人文性的文化运动——有着深远的影响。尽管其作品高度抽象，但仍然直接扎根于日常生活（用餐刀切除 ）并乐意成为当今世界所涌现的媒体图像混合体的一部分。
杰克逊·波洛克——《薰衣草之雾：第一号》
杰克逊·波洛克——《薰衣草之雾：第一号》 1950年 21×300cm 美国华盛顿国家美术画廊藏
《薰衣草之雾：第一号》像是画家无法从如此优美的色彩中脱身般，这是波洛克的作品中色彩最浓重且最丰富的作品之一，彼此纤细复杂地纠缠、搀和在一 起的各种图形，还有全彩的交响乐都给人惊奇。薰衣草色调是这幅画的基调，看起来的彩色如雾一般，有光粒子在摇曳闪耀。
曾经有过那么一段短暂的时期，忧郁困惑的波洛克像天使般单纯地绘画，能看到宇宙中水晶般透明的网络，眼睛背后的血管。他迷宫般的原始绘画将人们的 想象向内引致无意识的深处，向外引致宇宙的边际。他之后所产生的艺术都来源他的自由精神。
（编辑：杨晶）
