当前戏剧舞台创作和演出总体上呈现出向上发展和多元化的态势，但作为一剧之本的文本创作却出现了令人担忧的状况。经得起时间考验、推敲的原创作品不多，广大观众认可的、喜欢的优秀演出也少见。创作队伍不稳定可以说是造成这种现象的直接原因。此外，剧院与剧作家沟通不畅、创作者创作视野狭窄、舞台二度创造人才匮乏等综合因素，也成为制约戏剧繁荣发展的障碍。对此，我们应予以高度重视。
当前，戏剧舞台的创作和演出，从整体而言，呈现向上发展的势头和多元的景象；始终在努力地去突破、去革新，努力地扩展更大的生存空间，包括推行新的管理机制和打造新的文化市场。因而，舞台的面貌和艺术的水准，有所提高、有所发展、有所创新。然而，从较为宏观的创作视角，或者说需要加以关注的视角，我认为一个共同存在的课题，就是剧本或文本的创作。它依然是这块综合艺术创造中的弱势。从某种意义上说，已成为戏剧舞台发展中的一个瓶颈，一道卡口。
文本创作现状
作为一剧之本的文本创作，眼下的整体水准仍不是很高，经得起时间考验的、推敲的原创作品不多，赢得广大观众认可、喜欢的优秀演出也不多。多数的文本一直荡漾在可上亦可不上的境况中，并处在与舞台二度创作的同一条水平线上，甚至有的还有跟不上趟的状态。每年，无论是全国性的还是地域性的，各类舞台艺术的评奖活动一个接着一个，十分频繁。虽然琳琅满目，但有份量的、抗鼎的力作不多。例如，应该让人看好的、一直领行戏剧文本创作的话剧舞台，可圈可点的作品屈指可数。初评剧目的基准水平就更低，多为业余状。我认为，这个“不多”：一是有思想厚度的、时代感浓烈的作品不多；二是有一定艺术质量的、达到一定高度的作品不多。如从不同系列评奖的参与剧目看，都集中在个别较优秀的剧目中：翻来覆去的参评，搬来迁去地移植或重排。显然，创作空间不宽，创作的数量不足，质量就难以保证了。
戏剧舞台需要稳定的创作队伍
出现这种创作和演出的现象，因由种种。我认为比较直接的是创作队伍的不稳定所致。
上世纪80年代初期，我在剧院期间，每年尚能收到200多部的文本，以自然来稿为主。之后的情景就每况愈下，逐年递减，乃至上世纪末期，不到10部了，而且能推上舞台的几乎等于零。我留意了一下，当时，国内稍有成果的、还能动笔的舞台剧作家，不断减少、流失，也只剩下20来位了。上世纪90年代之前，在计划经济“计划”下，创作生产也是“计划”的。一般的演出院团都有自己的一班主创人员，包括剧作人员，是属“圈养”的剧作家。到了90年代之后，情况有了变化，剧作家逐渐从“圈”里走出来。这虽然是与时俱进的趋势，但随之而来也出现了利弊现象，即院团内部创作和社会剧本来源的双重递减。比如一家有影响的剧院，当时以5万元高稿酬征集剧本(大于当时近10倍的稿酬)，竟然无一应征入选，最终上演的还是以本院为主的、自己组织的文本。看来，对剧作家的培养，在现行的机制内，仅仅靠“圈养”不行，只靠“散养”也不行，这是值得思考的创作课题。但有一点是肯定的，创作人才的短缺，导致剧本水平的弱势，导演二度创作的倾斜，则是不能忽视的主要因素。而今，剧作家队伍的萎缩，更突现“无米之炊”。看看众多舞台演出，大部分有口皆碑的作品(如戏曲《傅山进京》《程婴救孤》《成败萧何》等)，剧本基本上是扎实的。这再一次证实，成在文本，败亦文本，这是舞台演出铁的法则。
剧作家与剧院的沟通合作利于舞台创作
就我们的国情和文化建设的现状，我认为“圈养”也好， “散养”也罢，两手并举两手抓，都需要关注。有位曾主持剧院工作的艺术家说：“成功的作品是剧作家自己写出来，不是他‘抓’出来。”他的谦逊之言，并不掩饰他“抓”的功劳。那个时期他所在的剧院的舞台作品，都留下了“抓”的印迹。所以，培养剧作家，创造良好的创作生态环境，可以从不同的方面入手，是需要抓一抓、养一养的。“放任自流”不是惟一的选择。
由此，我想到，创作人才的培养，应该多渠道，应该开拓更多的阵地。例如，艺术院团自己培养(本身就是“再培养”的园地)。艺术院校刚毕业的学生，初进艺术实践的舞台，需要有“再培养”的过程和“被导向”的阶段。“圈养”一段时间是利多弊少的。我认为，在省级以上的艺术院团，“圈养”若干剧作家是可行的，比较靠近舞台实际。剧作家和剧院是孪生的关系，两者互补、沟通、磨合，利于一个剧院的建设，也利于舞台创作。
又如，利用学会、协会等各类艺术专业的学术团体。这里云集的专家文化资源很雄厚，有能量，我们可以激活它们的力量，开发它们的潜力，为“再培养”发挥更大的作用。此外，文化主管部门，也有必要作一些政策上的倾斜和支持。
创作者要有开阔的艺术视野
新时期以来，我们的创作环境已经相当宽松，我们的剧作家也富有责任感和创作的自律意识。然而，剧作家在题材的选择上，仍让人感到有点拘束、有点谨慎，还不够宽松自己。例如，写“主旋律”的题材，还是用老眼光去定位，多是模式化的、刻板的套路，对“主旋律”本义有所误读。如写现实题材的作品，比较直白，停留在表层次的价值观念上，没有真正触及写“人”的层面。其实，舞台的思想性与艺术性并不矛盾，两者是互补的、交融的，唇齿相依的，“主旋律”亦如此。话剧《这是最后的斗争》《生命档案》《黑石岭的日子》等，就洋溢着“主旋律”的音符，谱写出时代的强音。
创作视野不够开阔也是当下创作者存在的问题之一。题材的遴选倾向短平快式的运作，力图讨巧，立竿见影。如写本土的历史掌故和历史人物，往往误解为“越是本土的就越有艺术价值”，盲目将不适宜搬上舞台的故事，硬交给舞台形式去表现，滥用本土的文化资源；有的盲目跟“风”使舵，如某个纪念日到了，就赶紧去搬这方面相关的题材，缺乏中、长线创作的机制。创作题材是需要选择的，表现题材与戏剧形式之间应尽量达到对位统一，才能收到事半功倍的效果。
当前，不少舞台演出不同程度地烙下了功利的色彩，非艺术因素干扰太多：为政绩、赶评奖、替别人搭台唱戏，从而削弱了艺术本体创造的力量。虽然在文化发展的征程中，这些问题在所难免，但我们的艺术家必须操守艺术创造的底线，洁身自好，从自己做起，从舞台做起，逐渐纯化创造的空气。
创新不能脱离戏剧本体
创作者缺乏艺术创造自信，浮躁、急于求成、顾此失彼的心态也是值得警惕的。艺术创作要有激情，也需要理性、睿智的思辨能力。例如，舞台景观呈现出人为复杂化的倾向，过度的、非艺术的包装，求大求洋，臃肿、奢侈、铺张等一派富态或“虚胖”，带来的不是健康的美感，反而是审美的障碍。坦率地说，这类豪华舞台，70%的资源是浪费的。造成一出很普通、轻快的戏，走不出剧场去演出，甚至连本地舞台都合成不了。这类剧目，舞剧、话剧在各地舞台上都有。其所谓“重点”剧目的打造，与戏剧本体的愿望是背道而弛的，既违背艺术规律，也违背市场规律，当前虽有所节制，但仍在一些舞台上时而冒出来。
又例如“晚会化”倾向，这在当前的舞剧舞台上更为普遍。如近期演出的、近200人的某台舞剧，“舞”不起来，只仰仗于群舞、LED的手段来造势。与其说是舞剧，倒不如说是一台晚会。可以说，这些年舞剧舞台的文本没有长进，技艺、技巧上的提升，不能提高舞剧本体的审美价值。再例如，脱离剧种母体的“创新”，也是出力不讨好的。尤其是戏曲，动用无关的技术手段，在舞台上堆砌完全与戏曲艺术本体美学语言相悖的东西，遮蔽了戏曲舞台写意的、程式化的审美语言，也搅乱了舞台本体的艺术准则。我认为，创新应当是承继优秀传统基础上的创新，不能过分盲目脱离母体。
如果寻找一下终极性的根源，这类舞台现象的主要问题还是出在“一剧之本”上。由于文本基础打得不结实，它的舞台大厦难免会倾斜；“戏核”不硬，舞台不会有长久的生命力，求助于戏外功夫是得不偿失的。
经典改编并非戏剧发展的捷径
由于原创、新作不多，导致一些剧作家或导演，纷纷将目光投向改编或重排复排经典作品。无疑，经典作品是经得起时代检验的，不断地复排和演出也是一条路径。
然而，近年来，复排空间并不是很开阔，相对集中在几出剧目上，如曹禺、老舍等作品。以我看到的复排作品而言，舞台再创造的幅度其实并不大，更多是倾斜在重新包装上。主创者所谓的“出新”或标榜“创新”，是值得质疑的。这种现象，可以说是有的主创者心存惰性，江郎才尽，认为排经典作品保险；也可以说是有的导演“玩漂”，多“玩”点经典作品，塑造自己的艺术形象，但总归有炒冷饭的感觉。试问，如果没有“郭老曹”，我们的舞台创作会怎样？即便是重排经典，也要考虑剧院的建设，也要关注观众多元的审美需求，去营造多彩的舞台世界。这里，需要强调的是经典作品复排，要遵重原著，不能伤筋动骨地“修改”。带着主创者的主观意象，随意解读，不仅会伤害经典，也会误导观众。
此外，要建立、健全优秀剧目、保留剧目的轮换上演制度，搭起演出季、戏剧节等平台，打造稳定的创作(包括演员)队伍和演出剧目。在重视原创作品的同时，也应倡导优秀剧目的移植，互相交流、互通有无、取长补短、扩大影响。原创和移植一视同仁，都应予以鼓励，包括参与评奖等，使舞台艺术得以更健康发展。
舞台二度创作人才过度依赖“外援”
文本创作的弱势还表现在舞台二度创作方面。近十年来，除剧作家之外，导演等创作人员的队伍越来越小，年龄结构也呈现出越来越老化的态势。如在一个全国性的艺术节上，一个导演同时有十来个执导剧目参赛；也有一两位剧作家，有两三部作品参赛并获较高奖项。类似的舞台现象，如为了打造重点剧目，为了参赛参评，主创人员几乎全部外请，而本地本土主创者几乎很少参与，这在有的地方几乎已成惯例和模式了。引进人才、市场运作是需要的，有利于促进本地创作水平的提高和人才培养。但凡事必须有“度”，过分倾斜，完全依赖“外援”，且不说有限的文化资源外流，对本地主创人员的凝聚力、对后续人才的培养，都会逐渐产生负面影响，造成本地创作力量萎缩或停滞状态，使本地人才面临着断档的危机。作为大众化的舞台艺术，尤其是地方戏的舞台，根扎在自己的乡土中，应以“自力更生”为主导，才有利于本土文化持续、健康的发展。
上述一些舞台现象，在当前舞台艺术发展进程、机制变革中，应属正常现象。常说“发展是硬道理”， 舞台上拉得开大幕就是“硬”道理。我们期待艺术创作和舞台演出出现更多的好作品，培育出更多的艺术人才，赢得更多观众的掌声。
（编辑：邵钰杰）
