新水墨画之：杨佴旻

　　杨佴旻简介：

　　杨佴旻，中国曲阳人，毕业于南京艺术学院，美学博士。现为南京艺术学院校董，北京文艺网总裁，河北大学客座教授、美国圣赛德艺术中心客座研究员。曾任名古屋艺术潮国际企划委员长等。

　　现为北京文艺网总裁，美国圣赛德艺术中心客座研究员等。南京艺术学院新水墨画研究所所长，美国圣赛德艺术中心客座研究员等。曾任第一至五届名古屋艺术潮国际企划委员长，美国圣赛德当代艺术展艺术主持等。

　　杨佴旻活跃于当今世界画坛。“自徐悲鸿、林风眠一代人开始，中国画革新的号角始终没有停止，在当下，尽管风气使然，大多数中国画家缩回到传统的怀抱，但仍有一部分画家马不停蹄朝前奔驶。杨佴旻是其中之一，具体地说，是其中非常耀眼的成功者之一。”（李小山语）；“我们不要忘记他是在宣纸上，是在保持笔墨写意特性的基础上，大胆运用色彩，他在革新中国传统绘画方面是做出了杰出贡献的。他在艺术上的成功，会对我们全面继承和发扬中国画的传统有启发性的意义”（邵大箴语）

　　杨佴旻在中国传统绘画的材料基础上，以传统融合现代，经过长期的探索，形成了思想与技法高度统一的新水墨画形式。他的新水墨画艺术，找到了通向未来、通向世界的共同语言境界。

　　个展：

　　1995年

　　“杨佴旻水墨画展”，东京中川画廊（日本）；

　　1997年

　　“杨佴旻水墨画展”，北京音乐厅画廊（中国）；

　　1998年

　　“杨佴旻水墨画展”，洛杉矶纳德画廊（美国），

　　“杨佴旻水墨画展”，大阪梅屋画廊（日本）；

　　1999年

　　“杨佴旻水墨画展”，中国美术馆（北京），

　　“杨佴旻作品展”，名古屋圣艺术画廊（日本），

　　“东方与西方：杨佴旻水墨画展”，洛杉矶纳德画廊（美国）；

　　2000年

　　“东方与西方的融合——杨佴旻水墨画展”，帕斯高艺术中心（佛罗里达），

　　“东方与西方的融合——杨佴旻水墨画展”，拉劳美术馆（法国），

　　“杨佴旻作品展”，圣艺术画廊（日本），

　　“东方与西方——杨佴旻水墨画展”，洛杉矶纳德画廊（美国）；

　　2001年

　　“东西之间——杨佴旻作品展”，庸画廊（日本），

　　“东方与西方的融合——杨佴旻水墨画展”，洛杉矶纳德画廊（美国）；

　　2002年

　　“杨佴旻水墨画展”，北京国际艺苑美术馆（中国）；

　　2003年

　　“两个半球的艺术情恋‘东西之间’———杨佴旻水墨作品展”，可创艺苑（北京），“东西之间：杨佴旻水墨画展”，庸画廊（日本），

　　“东西之间——杨佴旻水墨画展”，名古屋圣艺术画廊（日本），

　　“东方与西方的融合——杨佴旻水墨画展”，洛杉矶纳德画廊（美国），

　　“东西之间——杨佴旻水墨作品展”，白川画廊（日本）；

　　2004年

　　“东方意蕴”杨佴旻水墨画展，北京炎黄艺术馆（中国），

　　“东西之间——杨佴旻作品展”，名古屋圣艺术画廊（日本），

　　“东方与西方的融合——杨佴旻水墨画展”，洛杉矶纳德画廊（美国），

　　“现在的中国——杨佴旻水墨画展”，格林特画廊（荷兰）；

　　2006年

　　“中国旅日艺术家杨佴旻主任研究员个展”，台湾枕石画坊（台湾），

　　“现在的中国——杨佴旻水墨画展”，哥伦比亚肯特画廊（美国），

　　2007年

　　“现在的中国：杨佴旻水墨画展”，奥利特画廊（意大利），

　　“通向东方——杨佴旻绘画展”，肯特艺术中心（美国）；

　　2011年

　　“继往开来——新水墨画家杨佴旻作品展”，庸画廊（东京）；

　　“通向东方的路——新水墨画家杨佴旻作品展”，肯特画廊（美国）；

　　2012年—2013年

　　“他的史诗——杨佴旻新水墨画中国巡回展”，山西美术馆、河北美术馆、中国美术馆、南京艺术学院美术馆、大连现代博物馆（按展出时间先后排列）。

　　获奖：

　　1989年获建军60周年全国美展佳作奖（中国北京）；

　　1996年获都灵国际美术展特别奖（意大利都灵）；

　　1997年获东京银座绘画展优秀奖（日本东京）；

　　2003年获哥伦比亚首届世界绘画贡献奖（美国哥伦比亚）；

　　2005年获 “傅抱石奖”南京水墨画传媒三年展组委会提名奖（中国南京）；

　　2005年获现代金陵水墨画传媒展提名奖，现代金陵水墨画传媒展评委大奖（中国南京）；2007年获圣赛德当代艺术奖（美国南科罗拉多）等。

　　收藏：

　　中国美术馆（中国）

　　关山月美术馆（中国）

　　黄胄艺术基金会（中国）

　　圣赛德艺术中心（美国）

　　帕斯高艺术中心（美国）

　　本田博物馆（日本）

　　春日美术馆（日本）

　　拉劳美术馆（法国）

　　圣安纳美术馆（荷兰）

　　比阿诺现代美术馆（土耳其）等艺术机构和收藏家收藏。

　　艺术史论家专文评介：

　　马钦忠（中国）、水天中（中国）、田庄（中国）、刘晓纯（中国）、刘晓路（中国）、李小山（中国）、邵大箴（中国）、杨炼（中国）郎绍君（中国）、胡继华（中国）、贾方舟（中国）、陶咏白（中国）、顾森（中国）、翟墨（中国）（按姓氏笔画排列）；高城昌史（日本）、有吉由美（日本）、高桥英二（日本）、浜本昌宏（日本）、史迪威·卡雷特（法国）、高玛吉（美国）、劳里艾鲁（美国）、巴巴拉。布莱克思（美国）、路易·瓦萨莱尔（荷兰）、阿瑟F约翰逊（美国）（按国家排列）等。

　　出版画集：

　　《1992-1999 杨佴旻》（北京、中国美术馆出版）、《东方与西方的融合——杨佴旻的艺术》（美国、英文版）、《杨佴旻水墨画作品集》（北京、国际艺苑美术馆、中国艺苑出版社出版）、《中国当代名家——杨佴旻的水墨画世界》（四川美术出版社出版）、《新水墨画的拓荒者·杨佴旻》（日本、日文版）、《大家风范·当代国画名家图卷——杨佴旻·现在的中国画》（四川美术出版社）等。

　　专业期刊发表：

　　《文艺研究》（中国）、《江苏画刊》（中国）、《中国艺术》（中国）、《美术观察》（中国）、《美术研究》（中国）、《美术界》（中国）、《美术向导》（中国）、《画刊》（中国）、《版画艺术》（中国）、《艺术家》、《艺术报》（台湾）、《新艺术》（美国）、《文化与传播》（美国）、《新艺术新闻》（美国）、《拉劳艺术》（法国）、《艺术鉴赏》（法国）、《画廊》（日本）、《展览与评论》（日本）《艺术新闻》（日本）、《艺术空间》（日本）、《艺术世界》（荷兰）、《收藏》（中国）、《中国收藏》（中国）、《美术内参》（中国）、《艺术界》（中国）等。

　　媒体报道：

　　《人民日报》（中国）、《光明日报》（中国）、《中国日报》（中国）、《中央电视台》（中国）、《北京电视台》（中国）、《华盛顿时报》（美国）、《帕斯高时报》（美国）、《费加罗报》（法国）、《朝日新闻》（日本）、《读卖新闻》（日本）、《每日新闻》（日本）、日本电视台（日本）、

　　《京华时报》（中国）、《北京晚报》（中国）、《记者》（中国）等新闻媒体专访及专题介绍。

　　获世界绘画贡献奖编辑获首届哥伦比亚世界绘画贡献奖：

　　中国美术家杨佴旻日前荣获首届哥伦比亚世界绘画贡献奖。

　　主题是“激发传统魅力”。该奖由哥伦比亚世界绘画贡献奖学术委员会，美国平面艺术基金会主办；哥伦比亚特区，哥伦比亚特区文化事务局协办。哥伦比亚世界绘画贡献奖执行主席阿瑟F约翰逊在大会发言中指出∶在科学技术和生产力的影响下，人类的自然环境和人文环境都发生了巨大的变化，艺术观念和艺术形式也发生了巨大的变化。经过一个世纪的沿革，艺术创作的切入点已经越来越“行为”与“观念化”。当代艺术对技术的鄙薄已经使艺术的审美功能被大为消解。

　　杨佴旻的绘画坚守着艺术的传统意义与现代精神。他经过长期不懈的试验探索，创造出了一套特别的绘画新技法，一套在绘画传统里所没有的新技法。他的发现是划时代的，他的发现激活了绘画艺术的潜能，必将使绘画进入到一个更为崭新的境界。他的艺术实践在文化艺术的自我反省与东西方文化融合中赢得了世界绘画领域的高度赞誉。他根植于中国，融汇西方，大胆进取，锐意革新，成功地跨越了东西方文化的鸿沟，拓展了绘画更为广阔的艺术天地。他的艺术独树一帜，堪称楷模。

　　绘画作品欣赏：

　　绘画作品欣赏编辑杨佴旻的作品，可以包括在广义的水墨画范畴之内。但就其以色彩为主这一特点而论，称作“彩墨画”似乎更恰当。20世纪50年代，人们曾把突出色彩的新国画称作“彩墨画”。我这里使用彩墨画一词，纯粹是就其材料和材料引出的特质言的。在他的画里，墨只是一种色，与传统中国画“笔墨”中“墨”的含义已大不同。夸张点说，他把“墨”从“笔”中分离了出来，重新还原为“黑色”，并与其它的色一道承担造型与表情的作用。20世纪以来的许多革新家如林风眠等，都在这方面作了有益的探索，让色彩取代笔墨，并赋予中国画以新的形态与表现力。杨佴旻显然继承并发扬了这一传统。与许多探索用色的画家相比，他显得更大胆，更无顾忌。我们常常看到，一些画家在色与墨之间犹豫不决，常在画面上形成“半斤八两”、都唱主角、相互抵消的毛病。一些画家以色为主了，但总要以墨为底色或背景，有时仍不免形成“打架”。杨佴旻也多用笔线勾画物形，但勾画之后常常又用色彩加以覆盖，看上去好像没有线一样，于是笔线变成了造型过程中的手段，而不是结果，色彩得到了真正的或曰更大的突出。

　　——郎绍君

　　访谈：

　　杨佴旻：回归传统是一种倒退

　　“西方人不知道二胡吗，他们不知道的是现在的中国”

　　“2006年世博会是在日本举行的，我去参观过。那么多展馆，就属中国的最大。可一进去，就看到一个姑娘在弹琵琶——前一天是拉二胡。弄几个中国元素，就是传播中国文化了吗？”面对记者，北京文艺网总编辑、日本东洋美术研究所主任研究员杨佴旻大声地说——

　　“中国画这10年，我看是倒退了。”采访一开始，杨佴旻就直言不讳，“上世纪90年代，国画还能接受现代和西方的东西，这几年又变成了回归传统。这是一种倒退。”

　　改变水墨画以墨色为主的传统，在宣纸上画出斑斓的色彩——这些年，国画家杨佴旻一再颠覆传统，开创了一种新型的水墨画。就是这样一个颠覆传统的人，自称“依旧保持着传统的‘根’”。

　　记者：回归传统怎么成了倒退呢？

　　杨佴旻：很多人说：“越是传统的越是现代的，越是民族的越是世界的。”我很怀疑这句话的正确性。传统的东西虽然珍贵，但当下中国艺术还没真正实现现代化，一味强调传统就会抑制中国画的发展，一味强调融合就是对传统的破坏。中国画现在需要的是创新，非要说融合，那也应该是传统材质与新技法、新思想的融合。而对于传统，就好比倒掉一段的古城墙，维持现状也许就是对它最好的保护，你硬要重建，没准儿会不伦不类。因此，分清楚现代和传统之间的界限，把传统的东西圈起来不随意触碰，才是对它的最大保护。

　　记者：但如果把传统和现实分开，会不会就像标本盒里的蝴蝶那样，失去了生命力？

　　杨佴旻：我们要弄清楚传统和现实的界限，并不是要割裂它们之间的联系。比如我的水墨画，表现的内容和绘画技巧都是现代的，但画面的气质仍然是传统的、东方的。我使用的绘画材料，也都是地道的水墨画材料——宣纸、毛笔和国画色。有人看到我作品色彩鲜艳，就以为我用的是水彩或是丙烯（一种现代绘画中常用的颜料——编者注），觉得用国画色不可能如此鲜艳。但我告诉他，用水彩、丙烯反倒呈现不出这么好的效果。

　　记者：你的意思是，传统的东方绘画技巧应被西方技法所取代吗？

　　杨佴旻：如果说故宫可以代表传统的东方，卢浮宫代表传统的西方，到了现在，“鸟巢”就是世界的了。我们现在坐着的咖啡厅，这些桌子、椅子既不是传统的也不是西方的，他就是“现在的中国”。北京、上海、东京、纽约、巴黎等大都市，它们的建筑、交通，以及大街上人们的穿着，已经没有太大区别了。文化发展到今天，东西方文化之间的栅栏已经很大程度上消失了，只保留了一小部分，就是传统的“根”。这就是现在的世界。

　　记者：这样说，东方文化也应该很容易被西方人接受啊，事实是这样吗？

　　杨佴旻：是！我在西方举办过多次水墨画展，我觉得西方观众能理解东方的东西。

　　记者：你怎么知道他们对中国艺术是真正的欣赏，而不仅仅是猎奇？

　　杨佴旻：中国画在西方举办的展览不少，但多数还是“传统样式”的中国画，在这些画展上，西方观众确实是在猎奇。中国画是一门艺术而非手艺，但今天的人还画“四王”、“八大”，或者黄宾虹、齐白石那样的水墨画，那就是“旧的”。这里我想说：不要沦落了中华民族的优秀传统！

　　我在西方举办个人画展时，就将画展命名为“现在的中国”。我刻画的题材、情景，在当下的中国随处可见。一个美国老太太，在看完展览后，居然哭得很厉害。她说，在我的画中，看到了“禅”。

　　记者：那是你有意为之的吗？

　　杨佴旻：刻意追求就没有“禅”了。我画的，都是一些最常见的事物——一片白菊、餐桌上的水果和瓷器、凭几而坐的普通人、悠远的山水，清淡平凡。反而让她真正体会到东方哲学的韵味，也真正理解了中国。

　　其实现在很多西方人理解的中国，都不是真正的中国，只是一些符号的累积。比如他们喜欢的中国服装，却是一些京剧戏服。他们以为这就是中国人穿的衣服。就跟我们看非洲木雕一样，只觉得特别，并不真正理解。

　　2006年世博会是在日本举行的，我去参观过。那么多展馆，就属中国的最大。可一进去，就看到一个姑娘在弹琵琶——前一天是拉二胡。弄几个中国元素，就是传播中国文化了吗？你以为西方人真的不知道琵琶和二胡吗？他们不知道的，是现在的中国！

　　记者：那该如何展示“现在的中国”？

　　杨佴旻：我们国画界一直在说“笔墨当随时代”，可有几个人真正做到了？现在一些国画家，穿洋装，开汽车，生活比谁都现代，可一下笔，又“古”回去了。依我看，这不是尊重传统，而是偷懒。不能表现当下的社会生活，不能让世界了解真正的中国，艺术家的价值何在？

　　这么说吧，西方油画发展了这么多年，有几个画家会一辈子去模仿梵高的画？模仿得再像，也只会被人认为你有门手艺，不会被承认是艺术家。而我们的水墨画，到现在还在津津乐道于重复前人画风，甚至画的内容也雷同。其实水墨画什么都能表达，齐白石画那时候的山水草木，我们可以画现在的生活情境。时代、技法不同，但水墨画的气韵和精神一脉相承。这才是对传统的传承。

　　记者：在当下中国，我们还会出国画大师吗？

　　杨佴旻：当然。所谓大师，就是他能够开创一样东西并能传承下去。我们现在的时代，正是最容易出大师的时代。因为社会的剧烈变化会呼唤艺术的改变。

　　可是这么多年来，中国经济已经取得了惊人的发展，水墨画却几乎一点变化都没有。你10年前看到的中国水墨画坛，跟现在看到的几乎没两样。问题就在于，现在整个社会风向，包括主流媒体的舆论导向，仍然是崇尚传统。在一个还没有真正实现现代化的中国，过份张扬所谓的传统，会影响我们向前发展。

　　记者：那你觉得艺术家们该怎么做？

　　杨佴旻：已经有一部分人走出来了，但影响力有限。油画显然要比国画强势，拍卖价格高得多，这也从侧面反映出中国市场对油画的接受程度更高。这是一个值得关注的问题。

　　我至今还记得很多年前听到的一句话。一位卖菜的老大爷知道我画国画时，摇摇头说：“我喜欢油画，鲜艳，好看。”当时，这句话深深地触动了我。为什么国画不能突破传统的墨色？不能让中国普通老百姓喜欢？中国传统的水墨画传承了文人士大夫的审美情趣，但现代的水墨画应该走出“曲高和寡”的境地，让更广大的普通民众欣赏。

　　评论：

　　杨佴旻：跨越了东西方文化的鸿沟

　　作者：柯孟德翻译：杜放

　　杨佴旻是位“魔术师”：普通的材料经过他的手，就会变成富有生命力的艺术作品；他更善于运用中国传统的水墨画材料：毛笔和国画色，在保持笔墨写意特性的基础上大胆运用色彩，创作出色彩绚烂的写意水墨画。在今天这个充满变革，躁动不安的世界，人们在各种冲撞和压力中寻找内心的归属，向往安详与宁静。杨佴旻用他的创新水墨画，表达出一种超脱世俗的禅境，带给现代人耳目一新的艺术享受。他不愧为当代创新水墨画的代表艺术家之一。

　　杨佴旻出生于中国的河北省曲阳县。地处华北平原西部，紧邻首都北京，曲阳县是宋朝的五大官窑定窑的出产地，也是中国传统水墨画胜地，同时还素有“雕刻之乡”的美誉。家乡深厚的传统文化底蕴，促使杨佴旻从小就对艺术产生了浓厚的兴趣。

　　长期的学习和实践

　　杨佴旻成长在一个工匠世家，从事传统手工艺的父亲，很早就发现了孩子对艺术的兴趣和天赋，让他从小研习书法，并学习雕琢。在刻苦钻研中，杨佴旻将中国古代绘画大师的作品烂熟于胸。长期的练习使得他对木材，毛笔和水墨的使用有着深厚的了解和领悟，他对色彩的运用也掌握得出神入化。当然，艺术家的独特之处并非局限于技巧，他还特别善于捕捉身边的人和物，借助它们来表达他对生命的热爱与美的感悟。

　　杨佴旻自幼跟随老师学习水墨画，从临摹《芥子园画谱》[1]入手。这是一套系统学习传统水墨画基本技法的画谱，浅显明了，是许多著名艺术家的启蒙良师。杨佴旻反复临摹，以至于他能背着画出画谱山水卷每页的内容来。尽管杨佴旻的雕刻和水墨画创作都很到位，但是，他最大的热爱是水墨画，正如他本人所说“彩色雕刻是帮助我更好掌握水墨画的手段。我的志向不在于成为雕刻家”[2]。这一方向性的选择，决定了他的作品主要是运用水墨画的材料，来表现静物，山水和人物这三大主题。对此，我在下文还会有更详细的阐述。

　　这位年轻的艺术家，在研究探索中国传统绘画的现代化，同时，他对其它门类的现代艺术作品也有高度的关注和研究。在我们最近的一次谈话中，他对现代艺术是这样阐述的：“到了现代，艺术的评判标准应该建立在世界的评判标准之上。现代中国的东西也是世界的。上个世纪，徐悲鸿，林风眠，刘海粟等著名艺术家就提出了要改革传统水墨画，这一观点在今天已被广泛认同。几代艺术家在探索艺术的同时，反复思考的一个问题：是否使中国传统艺术服务于当代，服务于西方乃至世界，西方艺术是否可以服务于中国传统艺术。这种关注视野无疑是世界性的。”[3]

　　杨佴旻毕业于南京艺术学院。兴趣爱好使然，他在绘画创作的同时也热衷于写作。他的诗歌为其绘画和雕塑作品做了诠释和补充。他对美学的深入研究也影响着自己的艺术风格。

　　在几十年的艺术生涯中，杨佴旻出版的大量画册和成功举办的画展，都体现着他的创作热情和蓬勃能量。艺术家用心去描绘身边平凡的事物，作品有着朴素和谐之美。他的独特之处正是用最普通的东西去张扬生命的真谛与魅力。

　　我第一次见到杨佴旻，就被他光滑头顶上的肉髻所吸引，这让我联想到佛教中代表智慧的佛顶。也许正是冥冥中和佛的渊源，促使艺术家早年东赴日本求学，并深深侵染在这个东方佛教古国的艺术氛围中。随后他远赴美国，游历欧洲，他的丰厚经历也体现在他的艺术创作之中。有些中国文艺评论家认为，杨佴旻最初的静物作品，受到了印象派大师莫奈和塞尚的影响。

　　杨佴旻的艺术作品中呈现出对于美的独特感受与阐释。他在不断的思索过程中，越来越体会到需要在文艺理论方面更加深刻的造诣，这促使他系统地学习美学，并最终获得了美学博士学位。杨佴旻作为新水墨画的领军人物，兼有画家，美学博士，诗人等多重身份，是活跃于国际画坛的艺术家。他同时还担任南京艺术学院新水墨画研究所所长，创办了北京文艺网等。

　　跨越理想与现实社会

　　研究中国传统绘画，首先要回顾历代画家所常用的绘画题材。中国古代画家的题材，多是通过人物和自然环境来表现与浓缩当时的社会风貌。杨佴旻从小就研习及临摹了大量传统中国绘画，从传统的人物肖像，到能够使观众有身临其境之感的山水画作品。从摹仿，到独立的探索实践，在从一系列有选择性的以及偶然的生活经历中，艺术家逐渐找到了自己的艺术道路。

　　杨佴旻早年东渡日本进行学习与创作，使他得以在思想和创作上汲取这个东方古国的精华。后来，他的足迹更是踏遍了欧美各国，在世界各地的博物馆和画展中流连忘返，吸纳博收。这些丰富的生活背景和艺术经历，使他的画作既是东方的也是西方的。

　　杨佴旻在艺术创作中，他一直坚持走自己的路，在艺术思想上却以一种超越的态度对待中国，日本以及西方的艺术。早在1992年，他就开始探索一种新的创作理念与技法，并在多年的创作实践中逐渐形成独特的艺术风格。他曾经说过：“我认为传统的中国水墨画不在适应现代社会，它已经不属于这个时代了。”更深入地分析：“现代的艺术家不应该盲目的膜拜传统，那些已经成程式化的东西。带着对现实的偏见去“体验”那些远离了时代，远离了自己的生活，对艺术创作是没有益处的，艺术家的创作行为不是把古老的东西翻新。就水墨画而言，如果仅是摹写传统所谓精华的东西，不做根本的创新改变，那么这就是一种停滞，甚至倒退。另外，一味地区分中国艺术家、别国艺术家也是没有任何意义的。艺术创作需要开放的思维。所谓传统的风格，只是在过去的特定时间环境下形成的风格，是当下的过去式。众所周知，也并不是简单否定传统就能够创造出新的艺术风格。如果是这样，又怎么解释历史和文化带给我们的传承呢？我们应该用中华民族的传统精髓，真实地表达现代中国的情景与生活[4]。”由此可见杨佴旻对艺术的创作不仅是感性的，他的艺术观点是经过长期观察和思索的结果。

　　如何创新水墨画？众多理论家和艺术家就此议题各抒己见。尤其是近25年来，围绕这一主题展开的讨论吸引了包括收藏家，艺术爱好者等各界人士的广泛参与。

　　杨佴旻曾一针见血地指出：“在中国当代美术界，有个被忽略的问题，是很多人对水墨画的认知还停留在过去，他们认为水墨画的材料是画不出鲜艳色彩的。”20 世纪以来，许多水墨画的革新家如林风眠等，都在墨和色彩的平衡方面作出了有益的探索。在当代中国，色彩“艳丽”的水墨画作品越来越多，彩色水墨画将成为水墨画的主要形式。杨佴旻感慨道，我们生活在这样一个丰富多彩的现代化社会，怎么能一直固守在古人的黑白水墨画世界里呢？怎么能重复古人做过的事情而不去创造呢？难道因为这种绘画的名字是水“墨”吗？新的、成功的水墨画创作告诉我们，如果水墨画家还不敢或者还不去尝试彩色，那是他的个人选择，而和水墨画的材料无关，如果说问题，那不是水墨画的材料有问题，是画画的人有问题。”

　　艺术家更加热切地呼吁：“在宣纸上进行实践的朋友们，请在你的墨色里添加上颜色吧，你的画面一定会更具魅力！ ”[5]

　　在长期的探索实践中，艺术家已经形成了他一整套的艺术理论，他的理论反过来将进一步指导其艺术实践。

　　艺术家偏爱的题材：从人物到静物

　　在长期的艺术创作中，杨佴旻贯通了在世界行走过程中的点点滴滴，以敏锐的观察力和非凡的表达力，创造性的融和了东西方绘画——他最偏爱的主题是：室内人物，静物（通常是人物旁边的物体）和风景，他选择的角度平常而独特，展现了人类对自然的美好依恋。杨佴旻的艺术既感性又充满了思考。他经过长期不懈的试验探索，创造出了一套特别的绘画新技法。他根植于中国，融汇西方，成功地跨越了东西方文化的鸿沟。

　　人物

　　杨佴旻的人物画吸收了日本二十世纪30年代浮世绘画家和西方画家马蒂斯，以及内景主义画派维亚尔的精髓。他运用创新的独特技法来描绘人物在室内的日常生活，将人物融合在背景之中，同时人物身旁的每一个静物，装饰也是画中不可忽视的部分。比如他在2002年完成的作品《小芳》，年轻的女主人公身着黑裙，看上去象是身后壁纸上的深色图案，与人物对面的花篮和背后窗户透过的蓝天形成色彩上的对比。1999年完成的《厨房》（120X180.5cm），则吸取了法国画家安德列·布拉吉利的风格。布拉吉利本人也深受日本画家的影响，善于以抽象化的造型及明快的色彩描绘出诗意的情景。另外，是他的一部典型作品，2002年完成的《假日》（57X45cm），艺术家用大面积的黄色调营造出轻松、安逸的画面氛围。

　　山水画

　　从杨佴旻的山水画作品中，我们看出他对中国传统名家，尤其是明清作品的深刻研究与掌握。中国的名山大川经常是古今画家们创作的源泉。在杨佴旻笔下，于是诞生了《五台山之一》（2013 年完成，79X112 cm）；《太行的早晨》（2012 年，143X309 cm），和《长城》等多部作品。在21世纪的今天，用传统的题材进行创作更需要艺术家的胆识与革新精神，需要艺术家超越古今的艺术才能。他笔下的山水画，保持了水墨画以线为造型的基础和写意的精神，以及和谐的艺术境界，体现了作者对现实世界的美好敬慕。

　　静物

　　静物，如果从法语直接翻译，静物一词应该译为“死物，没有生命的物体”，中文静物的翻译来自英语“不动的物体”。而杨佴旻笔下的静物充满了活力和生命力。他无意于在特定的空间里去描述色彩的互动和空间的视觉组合，而是在于凭借观感，帮助人们用想象而获取视觉之美。

　　《蓝天》这幅画，山坡上的白云，静止不动，那红色的、粉色的花草绚烂地勃勃生机，体现出自然强大的生命之力。艺术家用宣纸和国画色表现出了现代绘画所能带来的感观效果。《红叶》、《粉红色的记忆》、《花开时节》这几幅作品都是以花朵为主题，配以抽象的几何图案，以对比的方式刻意表现红色的灿烂和绚丽。杨佴旻对形态的运用让我联想到英国当代艺术家吕西安·弗洛伊德的超现实主义作品。当然，拿两者来做比较并不是说他们在风格上相似，而是他们对自由，对生命之美的追求，以及他们不受任何条条框框约束的艺术表达方式。

　　每一位创作者都在不断地探寻，发现属于其生命本源的东西，并在灵感突现的时候呈献出新作品。艺术家在2012年完成的两件雕塑作品《禁果》、《ET之手》，就是他对生活不倦观察，对艺术无止境探索与追求的成果。

　　杨佴旻生活成长在中国社会大变革的时代。现在中国所面临的冲撞，不亚于西方社会二战结束后百废待兴时的变革。西方国家经过二十世纪七十年代之前的经济腾飞，最近几十年一直处在缓慢发展阶段，可能已经淡忘了当时的大变革，以至于对中国当下的社会也多有不能理解的地方。

　　特别值得一提的是，近年来，中国艺术家的国际影响力有了很大提升，中国艺术家的作品越来越受到藏家的关注[6]。艺术家的使命感与时代的发展契机，激发了杨佴旻更多的创作灵感，和他在艺术上更高、更加独特的审美追求。另外，随着他艺术创作的不断推进，呈现出的作品也更加国际化。他的艺术实践，能使法国乃至世界的观者感受到他的艺术所展现的绚烂和蓬勃生命力，以及他的艺术创新对于我们时代的影响力。

　　作者简介：

　　柯孟德，法国汉学家，中国艺术史和考古学博士，并拥有巴黎索邦大学艺术史学位。现为法国国家人类博物馆研究员主任。作为策展人，他策划了众多艺术展览，其中包括中国近代百年绘画展（2009 年，巴黎）；中国现代艺术（2007 年，北京）；艺术家的书·从马蒂斯到现代艺术（台北，2007）。柯孟德先生曾在中国（台湾）生活七年，撰写了多部关于中国艺术的著作。

　　[1] 芥子园画谱是一部中国传统绘画的经典课本。全书主要分为初级，二级，三级三个部分，由李渔做序。初级又分为五卷，第一卷为画学浅说，主要讲解美学的基础理论和着色的各种技巧。第二卷和第三卷分别为树谱和山石谱。第四卷人物屋宇谱介绍人物，建筑，风景及花鸟鱼虫的画法，并在第二级中详细地讲解了梅兰竹菊。第五卷名家山水书谱，介绍名家作品在摺扇上的各种画法。初级山水谱五卷于清康熙十八年（1679 年）木版彩色套印。为其作序的李渔，字笠翁，是明末清初的文学家。在明朝衰落后，他过起了隐居生活。晚年时在现南京构建并移居芥子园。画谱以此得名。

　　[2] 2013年11月与画家在北京的一次谈话。

　　[3] 2012年10月与画家在北京的一次谈话。

　　[4] 2013年 8月与画家在北京的一次谈话。

　　[5] 他的史诗——杨佴旻新水墨画中国巡展作品集。

　　[6] 从历史上说，艺术品市场兴起于西方工业化国家，和一个国家的经济发展水平紧密相连。全球艺术市场年报用百余页篇幅刊登了2011—2012 年现代艺术家价值排名，杨佴旻排在第315位。从这一数字可以看出中国十几年来艺术的蓬勃发展及对艺术品投资的急速增长。诚然，作为艺术家，他所关心的是自己的艺术创作而不是作品的市场价值，但是我们仍然不能忽略现在所处的大环境和时代背景。

　　2014年2月10日巴黎

　　作品欣赏：

　　风景画：

杨佴旻太行的早晨 2012 140x310cm 纸本设色