为了使照片正确曝光，你应该根据数码相机的感光度选项或胶卷的感光度以及被摄物本身的明暗程度来设定光圈的打开量和快门的速度。光圈的大小决定着通过相机镜头进入相机的光量，快门速度决定着光线触击相机内部感光材料的时间长短。
ｆ值 ：表示镜头光圈的大小。镜头上具有限定的光圈范围（f值），通常以f值的形式标注在镜桶的光圈调节环上。每一挡f值与位于其前后的f值的关系（从进光量方面讲）是一种倍数关系（注意：f数值越小，镜头打开量越大）。此外，由于很多相机的光圈值可以设定在两个标准的f值之间，所以不同相机的光圈值的设定也存在一定的差异，但是这种差异也只是存在于增加1/2挡或1/3挡的范围之内。下图展示了标准f值与非标准f值的差异。
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光圈越小，景深越大。图例中采用了f/2的光圈进行拍摄，产生了相对较小的景深，只有前景中处于对焦状态，其余两个闹钟则处于跑焦状态。如果在同一距离采用相同焦距的镜头，将光圈值调整为f/16（更小的光圈打开量）拍摄的由于景深变大的缘故，场景中的物体变得清晰了。所以说改变光圈是改变景深的最佳方法，因为这一改变并不会影响照片的其他方面。
镜头的焦距越短，其产生的景深就越大。图例中采用180mm的镜头进行拍摄，只有前景中的人物被拍摄得较为清晰。在同一拍摄距离，同一光圈数值以及同一对焦点采用50mm的镜头进行拍摄，前景与背景中人物都被拍摄得较为清晰。需要注意的是，镜头焦距的不同会导致拍摄视角的改变（对比两图可以看出这一变化），同时也会改变场景中物体的大小，当然物体的清晰度也会发生改变。
距离被摄物越远，产生的景深范围就越大。例图中用镜头在3英寸（约7.6cm）远的距离对焦被摄物，场景中，只有前景与背景之间的一小段范围的被摄物处于对焦状态。采用相同的镜头和光圈值，但是距离被摄物10英寸（25.4cm）的位置进行拍摄，场景中更多的被摄物变得较为清晰了。事实上，退后拍摄与使用短焦镜头拍摄的原理是一样的，拍摄的场景范围越大，场景中就会有越多的被摄物被拍摄得较为清晰。
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具有内置曝光表的相机通常只会显示出一种能够产生正确曝光的快门速度和光圈的组合。但是，其他快门速度和光圈的组合方式也是行之有效的。
围绕着这一圆环的快门速度和光圈值（对应），虽然设置不同但都能产生同等曝光量。在每次拍摄前你会有很多种曝光设置可供选择。
本题中由于感光度增加一级，曝光量增加，因此要提高一级快门速度才能保持相同的进光量。
显影的时间越长，负片就会变得更暗，对比度也越强烈。图像的密度也不会均匀地增加。增加负片的显影时间能够使受到强烈曝光的负片（原场景中比较明亮的区域）发生极大的变化。受到中等曝光的区域（中间调）也会发生较为强烈的变化，受到少量曝光的区域（阴影区域）只发生细微的变化。对于任何负片来说，延长或缩短显影时间对负片的对比度会产生较大的影响—亮部区域与暗部区域之间的密度差异。
显影液会立即与水晶银粒子的表面产生作用。但是需要一定的时间完全浸入感光乳剂之中并且在其表面之下显影水晶银粒子。曝光决定了能够被显影的水晶银粒子的数量，但是你允许显影液显影的全部时间决定了其渗入感光乳剂的程度以及对已经曝光的水晶银粒子的显影程度。
此外，还有其他3种因素能够影响显影的程度，换句话说，就是控制图像的对比度与密度。除了增加显影液之外，显影液的温度，显影液的浓度以及搅动的激烈程度也会对显影产生明显的影响。
摄影师：ROBERT CAPA《诺曼底登陆》，摄于1944年6月这幅ROBERT CAPA拍摄冲印的照片几乎被差劲的暗房处理毁掉了。Capa在第二次世界大战中拍下了这幅照片。他的胶片在送往《生活》杂志之前被匆匆拿到伦敦进行冲洗。在尽快冲洗出胶片的巨大压力之下，摄影实验室的技术人员把显影后的胶片放到底片烘干箱中烘干，由于温度过热导致感光乳剂从片基上融化下来。只有几张未融化的照片还可以使用。如上图照片所示，片中没有正确晾干的部分出现了颗粒，不过这一效果反而增加了战役中极度混乱的感觉。
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加光是对照片中过亮的区域增加曝光。底片大部分区域曝光之后，挡住正确曝光的大部分区域使那些太亮的地方接受额外的曝光。一张大尺寸的并且中间有一个小孔的纸板是比较好的工具，也能产生出不错的效果。此外，你也可以把双手握住或伸开使光线只能照射到需要加光的区域。
摄影师：GERRYRUSSELL 《MONO 湖》。你可以根据需要来选择采用遮挡、加光以及正常的曝光对照片进行处理。使用上述3种方式，你就可以制作出一幅与真实场景相像的照片来突出需要强调或渲染的区域（如上图中的天空一样）。
如果你把以前的操作进行了记录的话，在重新放大照片的时候就会容易很多。此外，在一张影调很浅的照片之上进行直接记录，能够准确地记录下照片每个区域所需要进行加光与遮挡的程度。
太阳升起之后，光线变得温暖起来。由于太阳光必须穿透多层大气层，所以在穿透之前天空的色彩偏冷，之后才会逐渐变暖，天空就会变得越来越亮，天空也会相对偏红色与橘红色，而蓝色则被大气层过滤了许多。而此时的阴影则会略显蓝色，因为金色的太阳照射不到阴影区域，所以此区域只能被蓝色的天空照射到。
太阳在天空中升得越高，色彩之间的对比就越强烈。 到中午的时候（特别在夏天的时候），色彩的对比也是一天中最为强烈的时候。数码相机在白天进行拍摄时，白平衡最好设定为5200k，胶卷相机在白天进行拍摄时，白平衡最好设定为5500k。即便采用这两种相机在同一时刻进行拍摄来记录中午的色彩，在色温上也会存在一些差异。
当太阳落山时，光线又再次变得温暖起来。这一过程的变化比较缓慢，所以要注意观察。否则，天空中的红色逐渐变强会使你拍摄的照片出现意想不到的效果，而那种效果却又不是你希望获得的，但幸运的话，这种效果会非常漂亮。如果傍晚的天空非常明亮，并且在地平线上还可以看到太阳下山时的情形，被摄物则会披上一层金色的外衣，其阴影也会变长，被摄物的亮部呈现出强烈的纹理感。
摄影师：JOHN UPTON《牌坊与游泳者》，2005年摄于日本琵琶湖（日本本州岛中西部）中午的阳光非常明亮，此时你可能可以在被摄物上看到你所预期的色彩。
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一张数码图像所包含的信息数量以及其技术质量是由像素的数量以及每一个像素所包含的色值决定的。像素越高，图像所能呈现出的细节就越丰富。两张尺寸相同的照片中，如果一张照片的像素比较高，那么它所能呈现出的图像细节则更丰富。相同地，每一个像素色调区分越细腻，像素与像素之间的色彩过渡就越平滑。 像素所包含的位数越多，每 一个像素可能具有的色彩与色调选择就越广泛。很多因素能够影响图像的质量，但是，一张图像所包含的数据越多，其最终的效果就会越好。
把彩色照片转变为黑白照片的最简单的方法就是使用灰度指令（选择“图像>模式>灰度”）。只要选中这一指令图像就会马上丢弃所有的色彩信息（一步完成），3个色彩通道会合并到一起，色彩会被完全去除，图像文件会缩减到原先文件的1/3大小。
要注意光源（光线会对色彩造成影响）。不同的光源具有不同的色彩平衡。钨丝灯发出的光线相对偏红，而自然光线则会相对偏蓝。
此外，在相同的光源下，站立在不同方位观看输出图像也会对色彩的感应产生差异。如果你十分注重输出物的色彩平衡，最好在展示灯的下面对输出的图像进行仔细的观察。
尽管，不可能在任何情况下都能够将展示光线控制得十分到位，但如果你知道确切的展示条件或其他有用的信息（例如：输出物会在白天进行展示或你对展示条件并不十分清楚），你可以在5 000K的灯泡（这是平面艺术与打印业普通使用的照明度）所发出的光源下进行展示效果的评估。
摄影师：ANNIE LEIBOVITZ《Meryl Streep》，1981年摄于纽约。ANNIE LEIBOVITZ的照片中所表现的名人形象通常与他们平时的公共形象有较大的差别。虽然，他们的被识别性很高，但是他们所做出的动作可能是出乎你预料的。尽管上图（与其他的照片一样）是LEIBOVITZ采用胶片拍摄的，但是她现在的展览几乎都会采用数码扫描或直接采用数码大图进行输出较大尺寸的照片并进行展示。
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有些喷墨打印的墨水含有减慢水分蒸发的溶剂。而无附膜纸则能够将水蒸气吸收到纸张的表面之中。但是采用高光纸与亚光纸输出的照片，由于其表面不会吸收水蒸气，所以在进行储藏或装裱之前需要几天的时间来进行水蒸气的散发。此外，将一张能够吸收水分的纸张压在其上一天也能收到较好的效果。
摄影师：JOHN WILLIS《回收的现实10号》，摄于1999年。John Willis的拍摄对象就是在等待着回收的成捆的废纸，这也是他与Tom Young在一起工作的4年中所拍摄的主题。此外，Willis说：“照片中位于废纸上的人物好像在请求我们在短暂的瞬间看他一眼。”
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描点修改有时会改变被摄物面貌。对于银盐照片来说，描点法通常用于修正照片冲印过程中产生的瑕疵，例如：有些时候不能避免的一些小划痕或由尘埃引起的脏点等。此类的修改会改变被摄物的面貌，例如：除去被摄人脸上的小脏点。
对于数码照片来说，对照片的任何修改都被称为润饰，通常会在照片的后期编辑时进行对照片的润饰（而非在照片输出之后进行修改）。
实践是完善所有修图技艺的根本。你在修改一些优秀的照片之前，最好先修改一些报废的照片来积累修改经验。在使用描点法修改照片时，努力做到采用最少的色点来不知不觉地完成对瑕疵的修正，因为描点太多会使照片的效果反而变差（在使用描点法修正照片时，最好遵循宁少勿多的原则）。
与照片中需要修正区域相同或相似的色调的染料以描点的方式将染料添加到照片上。现在市面上有很多种专用于照片修正的染料，例如：Spotone（染料品牌名）。这些染料都能够融入感光乳剂之中并且能够呈现出与照片上其他的区域相同的亮度。此外，这类染料通常是成套出售的，一套至少含有3种颜色（中灰、暖色（棕黑）与冷色（蓝黑））。
你或许还需要到艺术品商店（而非去相机专卖店购买描点专用笔）去购买一根或多根质量较好的画笔（一些艺术家使用的0号或更小号的水彩画笔）。首先用较软的面料擦一擦画笔，蘸取少量的水并在一个平盘上对颜料进行调和，然后再撕下一点相纸或在需要修改的照片边缘进行使用测试。
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在拍摄透明或半透明的物体（例如：玻璃器皿、冰块、薄的纺织品、叶子、花朵等）时，应该试着从被摄物的后面进行布光。这样的布光会使光线看起来像是从物体的内部闪烁出来一样，使物体具有深度并产生发光的感觉，这些效果是普通的正面布光无法实现的。此外，如果光线照射在背景之上（而并非直接照射在物体上），光线就会得到比较充分的散射并且会非常的柔和。
如果你希望背景更加暗一些，将光源放置到被摄物的下方就可以实现。在拍摄玻璃杯与玻璃瓶时，常会在支撑面上挖出一个圆孔，并且将玻璃杯或玻璃瓶放置在圆孔上，此举可以让光线只照射到被摄物上。此外，在拍摄玻璃制品时，通常会在其后面或下面进行布光，因为前方布光很容易引起光线的反射混乱。
摄影师：erich hartMann《水晶杯》。从后面给透明物体布光能够产生有趣的视觉效果。排成一排的杯子被光线柔和地照射。光源由两个聚光灯组成，它们的光线交织在一起，反射到一张无缝的白纸上。玻璃杯底部周围的阴影与明亮的反射光形成对比，使照片表现出非常高雅的气质。
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反光是拍摄中经常遇到的问题。为了使翻拍对象保持平整，有时需要在其上面压一块玻璃，但是有时翻拍对象本身就有反光。即使在光源已经远离相机或者光线与翻拍对象的角度已经很小的情况下，房间内的其他物品还可能发生反光。
在拍摄前要仔细检查相机、三脚架以及自己的身体是否会把光线反射到翻拍对象上。如果出现反光的现象，在一张黑色的纸板或一块布上剪出一个洞让镜头从洞中拍摄。此外，还要给光源遮光避免光线反射到镜头里。检查光线以及相机产生的反光时，一定要通过镜头观察，因为即使有时你站在相机旁边，也可能看不到一些反光。
在镜头前加装偏光镜可以减少表面粗糙的翻拍对象所产生的反射光，有时甚至要同时在光源前加装偏光屏，在镜头上加装偏光镜才能够将翻拍对象拍摄得比较理想。
翻拍时选用何种类型的胶片取决于所要翻拍的对象。翻拍线条稿（如版画）、黑白书稿或钢笔画等，由于这类图像中只有黑白色调，并没有灰色调，所以最适合采用高反差的色盲片来进行翻拍。不过这类胶片比较难以买到。连续色调的图像（例如：黑白照片或铅笔画等）既有颜色丰富的灰色调，又有黑色与白色色调，所以适合采用颗粒较细的普通胶片进行翻拍。
上图是16世纪的一幅由Albrecht Dürer (1471—1528)创作的木刻画，此画精确地表现出了图像所需表现出的一切，在摄影还没有被发明之前能做出这样的绘画真是令人惊叹。Dürer从来都没有见过真正的犀牛，而是根据某人的素描稿为基础而创作出这幅作品的。然而，这幅作品一直被一些自然历史书作为教材来使用，直到19世纪才停止使用。
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大画幅相机使用的大幅底片格式也是它的优点之一。大画幅相机最常见的底片尺寸为4×5英寸、5×7英寸、8×10英寸，甚至更大的尺寸。虽然小型相机使用的底片通过放大也能获得不错的效果（35毫米胶片的尺寸为1×1.5英寸），但用大尺寸底片印制出的照片可以表现出最细微的纹理，此外，在清晰度以及细节表现上也是其他底片所无法比拟的。
摄影师：Michael crecco《Arnold Newman》的肖像，摄于1994年。人像摄影师Arnold Newman的面部呈上下颠倒状印在大画幅相机的毛玻璃上。这一颠倒的图像是摄影师在画幅相机对焦时的真实所见。
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被摄物影调数值主要通过测量拍摄场景的暗部阴影到亮部区域的范围来获得。每一个数值都是其相邻数值升高一挡或降低一挡明度的结果。此处只展示了11种不同的影调，但是在一个高对比度的场景中（例如：一个场景既有明亮的阳光，也有较暗的阴影区域），影调的种类会多于11种。在一个低对比度的场景中（例如：拍摄场景位于雾天或晴天的光照之中），影调的种类会少于11种。
负片密度影调值主要展现在已冲洗出的负片之中。胶片所能记录的影调值要比此处11种影调值多一些。
照片影调值在最终的照片中是可见的。相纸限制了所能产生的影调对比度。黑白相纸能够记录下从纯黑到纯白之间的11种影调。
区域曝光法是由不同的曝光区等级所组成的。它是一种可以让你通过预先计划被摄物某一区域的明暗度从而使最终照片上被摄物某一区域呈现出这一明暗度的方式。
摄影师：John seXton《夜间的碎煤机》，1987年摄于威斯康辛，阿尔玛。收缩显影使这幅反差较大的照片更容易印制。夜晚的灯光照在碎煤机上使照片的反差非常强烈。照在碎煤机上的灯光是唯一的光源，照片上所呈现出的效果也是如此。由于曝光长达30分钟，因此要进行倒易律失效补偿，这就需要进一步加大照片的反差。为了使明暗两个部分都能保留细节，Sexton进行了充分的曝光并极大地降低了底片的显影时间。
Sexton的暗房里有个重要的物品，他建议自己的学生也准备一个垃圾桶。他说：“那是我很多照片要去的地方，我拍摄的大部分照片都是给我一个人看的，作为摄影师，你需要不时地犯一些错误—技术错误与美学错误。当这两个错误都不会再犯的时候，你也许就对这部分工作已经完全掌握了。通过不断地冒险与犯错，我的拍摄技巧渐渐地成熟，现在我可以拍摄出那些10年前根本不知道如何处理的照片。”
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如何突出或压制照片中的某一部分，从而让观者知道照片的着重点或非着重点？如果照片中的每个部分过于平均，观者就会不知道该首先看照片中的哪一个部分。
照片中的对比能够吸引观者的注意。人类的眼睛能够迅速地发现物体的不同之处，例如照片中清晰与不清晰的部位、亮部与暗部或照片中的大物体与小物体。如果你希望突出照片中的某一部位，试着调整拍摄设置来实现。因为观者首先会看到照片中最清晰的部位，所以你可以通过将需要强调的被摄物处于对焦状态，而将一些次要的被摄物处于跑焦状态。此外，照片中的明暗对比也可以用于突出被摄物，如果体积较小的被摄物与大背景之间存在着明显的明暗对比，那么它还是会非常吸引观者的注意。
相机拍摄角度也能突出被摄物。如果一些次要的物体分散了观者对主体被摄物的注意力时，你可以采用近距离拍摄的方式来突出被摄物，因为近距离拍摄会使被摄物变大，从而排除了其周边因素的干扰。有时俯拍或仰拍也可以排除一些对照片效果产生干扰的因素。
合理应用拍摄场景周边的环境来增加对被摄物的强调。有些被摄物是处于次要地位的，例如，围墙、篱笆或某物的边缘等，但它们能够形成一种视觉排列，从而突出被摄物的效果。此外，位于两条线（虚拟或真实的）交叉处的点或被摄物，容易引导观者的视线，从而使观者的注意力发生转移。在拍摄时或许可以在前景中寻找些次要的被摄物来突出被摄物从而吸引观者的注意。一个较暗的物体要比较亮的物体更加容易突出主体被摄物，因为较亮的区域通常会比较吸引人们的目光（但是，有时也不一定是这样的）。
摄影师：dennis stocK《光影中的James Dean》，摄于1955年。为了强调主体，你可以用一个前景把它框起来。这幅演员James Dean的肖像照片摄于他去世那年，照片采用了楼梯井形成的深色阴影，将被摄者框在一片钻石形的亮光之中。Dean的形象充满矛盾：既坚强，又敏感；既富于孩子气，又有男人气概；既温文尔雅，又充满野性。而这张照片通过明暗分割反映了这些气质。被摄者的面部只能看见一半，头部形象则通过正面拍摄和墙上投影得到双重表现。
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摄影使那些在家乡的人们能够及时地了解到战争的信息，在摄影发明之前，战争对人们来说是遥远的，并且还具有一种刺激感，大多数人从滞后的新闻中，从返乡老战士或从画家与诗人的作品中了解战争的情况。19世纪50年代的克里米亚战争是被摄影首次广泛记录下战争场面的一场战争。不走运的轻骑兵、指挥不当、疾病、饥荒与暴露目标等因素使英军遭受了远多于敌方的损失。然而，一位官方摄影师Roger Fenton采用场景化以及理想化的图像大致地描述了此次战争的场景。
源于美国内战的摄影图片首次披露了战争的真实场景（如下图所示）。Mathew B.Brady 是一位成功的人物肖像摄影师，他萌发了一个派遣摄影师到战场进行拍摄的想法。因为在战争中还没有人拍摄过照片。那太危险了。湿版照相处理需要几秒的曝光，还要在拍摄点给玻璃盘子抹上均匀的化学混合物，拍摄完毕之后，摄影师又要在马车上的暗房进行冲洗，而马车则很容易成为敌军火枪手的攻击目标。Brady很希望能够将这些照片出售出去。但照片所展示出的内容却又恰恰是人们希望忘却的事情。所以Brady 仅仅拍摄少量的有关战争的照片。而有些照片则是与他分道扬镳的伙计Alexander Gardner与Timothy H.O’Sullivan 设立自己的队伍拍摄完成的。但是正是由于Brady的想法与他个人的投资才有了这些珍贵的对美国历史的记录。
摄影师：Timothy H. O´Sullivan《收获死亡》，1863年7月摄于盖底斯堡。关于战争最早的真实影像是由Brady、Gardner及O’Sullivan等摄影师在南北战争时期拍摄的（见上图）。Oliver Wendell Holmes曾经到安蒂塔姆战场上寻找自己受伤的儿子，后来，他看到了Brady在那里拍摄的照片。“让那些想了解战争为何物的人看看这些照片……看这些照片简直就像亲临战场，看看这支离破碎的屠戮景象，我们的感情随之起伏。那些尸体是那样生动地反映了战争，我们埋葬他们残缺的遗骸，同时将伤痛深藏心底。”
（编辑：李锦泽）
