在世界音乐史上，女性音乐家无论是艺术成就还是人才作品的数量，均无法同男性音乐家相提并论。欧洲传统乐队的老牌劲旅，如柏林爱乐、维也纳爱乐，曾几何时理直气壮将女乐手统统拒之门外，清一色男子乐队云游天下笑傲江湖。然而，近十多年来，在中国这片古老的土地上，女性乐队与组合如雨后春笋，勃勃生发。打倒封建主义的政治口号喊了不过百年，跨越封建主义的社会形态走了不过半个世纪，如今的音乐舞台，大有“半边天”全面收复领地之势。“谁说女子不如男”？80年代末期，中国第一代女指挥家郑小瑛、女演奏家司徒志文组建国内第一个职业女性乐团“爱乐女”；90年代初，北京出现了国内第一支女子摇滚乐队“眼镜蛇”；而90年代中后期许多的女子民乐组合一下子“冒”出来，诸如“卿梅静月”女子四人组合，“华韵九芳”九位女子扩编为“华韵群芳”多个女子组合；２０００年初，女子打击乐组合“红樱束”悄然诞生；2001年，“女子十二乐坊”在舞台荧屏崭露头角，脱颖而出。短短几年，她们在海内外令人难以置信地神速窜红，高强度高密度地昂首挺进唱片、演出市场，风光无限。中国民族音乐界从此诞生了一个非凡的神话。

角色特征的淡化与强调

现代心理学的研究成果证明，听觉能力女性强于男性。在音乐这个女性独具优长的领域，女性应有的优势却始终没有展示出来。这实际上与性别存在的社会的文化状态不无关联。女子乐队在这个“男性话语”的现实社会，常常会面临来自外部和自身的矛盾与困惑，她们会比任何时候都更加关注自己的性别“角色”。

女子十二乐坊的形象包装称得上一个典型化的代表。在她们的唱片封套、演出海报、MV画面上，无不得到充分展现。十二女子花容月貌，笑颜迷人。她们的服饰精致考究，极力强化其女性特征。例如，在2004年3月《在那遥远的地方――王洛宾作品主题音乐会》上，“乐坊”成员裙装款式各异，材料质地统一，服饰潜涵的个性与共性和谐相宜。上半场明丽的黄和下半场娇艳的红，两种色调所特有的波长，强烈地刺激着观众的感官，令其瞬间进入兴奋状态，取得了先入为主的视觉效果；演奏者的优势，更多来自女子十二乐坊独特的表演形态，那种个体成员整合同化的思维形态和技艺形态的特殊性。她们的心理定势与能量配置，则更多体现为“我是一个女演员”的自觉意识，她们以类似民间艺人的表演方式进入规定情景和预设心境。从舞台两边的大屏幕上，可以随时捕捉到演奏者放大的表情。操演二胡、琵琶、扬琴、古筝者，一个个随着音乐娇俏地浅笑；吹笛箫的腾不出嘴唇，便腰肢扭拧，眉目传情。这种职业化的持久的表演动态，有效地扩充着音乐的亲和力与感染力，一开始的确令人赏心悦目。但，整个晚上一首接一首，一遍又一遍，毫无变化更新的表情，渐渐失去了最初的鲜活灵动，显得有些机械化、程式化了。

实际上，在纯音乐活动的过程中，两性“角色”通常处于性别“集体无意识”的创作状态。因为，纯音乐（主要指器乐，不包括声乐、特别是有人物形象的歌剧等）与其他艺术形式有很大的差异，比如电影、电视、戏剧，银幕、荧屏、舞台上的女性，其性别角色与性别特征都是显而易见的。而服装，则是一种极具象征意味的不可或缺的重要道具，关键是其需要提供给男性观众一种“观看的愉悦”，如弗洛伊德称为“视淫”的快感。而支撑这种视觉快感的心理结构便是“认同”。从历史上看，女性的“他者”地位非常明显。当舞台上的她们成为一个独立的群体，其性别意识比任何时候都得到了扩张与强化。

十二乐坊蕴含着女性的光彩与灵韵，如果能够释放改善女音乐家处境的某种健全而自然的东西，让公众不是更多受其外表“编码”的视觉效果感染，而真正注重其音乐艺术本身，才有可能意味一种新的女性“话语”的产生。否则，仍然是女性音乐家“角色”内化的一种尴尬与无奈。近几年，“乐坊”在日本、香港巡演，当地媒体评论夹杂了许多“人身攻击”的语言，认为女乐手在舞台上精心刻意“做”出来的发型与锦衣华服，常常游离于音乐本身，其效果可能是调动了人们视觉的活跃，却抑制了听觉的兴奋。民乐女演奏员具备姣好的容貌、窈窕的身材、精美的服饰，给人以美的愉悦，为音乐增色固然无可厚非，但如果这些东西被强化到超过了音乐本身的程度，甚至带出了“色情”或“准色情”的味道，让人产生旧时秦淮歌妓、青楼烟花的“联想”，那肯定不是一种积极健康的进步，而是悲哀痛楚的倒退。仅以“色”来“取悦”男性观众，肯定是一个意识的误区。走进音乐厅的男人，主要还是为了听音乐，倘若单单为了秀色“养眼”，他们完全可以去另外的地方。

看与听的功能置换

众所周知，女子十二乐坊从一开始就高举“看” 民乐的旗帜，强调民乐的可观性。在她们的表演现场，更有机会亲身体验其“看”的元素如何抢占“听”的风头。

还是那场《在那遥远的地方――王洛宾作品主题音乐会》，舞台上流光溢彩，轻烟缭绕，姑娘们美若天仙，赏心悦目煞是好看。但，整个晚上，观众听到了什么？电声乐队狂轰滥炸震耳欲聋，许多时候，民乐完全被喧嚣的电声淹没。女子十二乐坊似乎变得有些名不副实，民族乐队站在电声乐队的前面，音乐却裹在电声里面。

女子十二乐坊的基本编制为扬琴2、古筝1、琵琶3、笛（箫）2、二胡4（或5）共12件；电声乐队的基本编制为吉他、贝司、鼓、键盘、打击乐各1共5件。12：5，你说听谁的？在人们的概念里，女子十二乐坊本是民乐组合，民乐加电声，听的还是民乐。但是，在2004年3月20日的北展剧场，这个固定概念被彻底颠覆瓦解；打着“金字招牌”的《在那遥远的地方――王洛宾作品主题音乐会》，“基因”的严重变异和“母语”的随意演化，王洛宾原作的音乐形貌大多已面目全非，这分“功劳”理应记在编配者和音响师账上，而音乐总监更是以个体审美的取向，将观众强行导入集体无意识的深渊。

“乐坊”12件民族乐器件件“带电”，本身扩大了音量，增强了能量，在5件电声乐器面前还是无力抗衡。所有作品在演奏技法上为其提供的表现空间，根本不足以让12名“专业音乐学院高材生”充分展示各自身怀的绝技，她们引领风头、显山露水的时机实在太有限了。大约在节目进行到四分之一时，观众掌声停顿后场内出现短暂的静止，一位男性观众向台上的音乐总监高声地直呼其名：“电声压小一点！”另一位观众随之响应；“关了吧！不要电声！”回答他们的却是更具“挑衅性”的新一轮“攻击”；大约在音乐会的三分之二处，又一位女性观众大声呼叫：“民乐都听不见了！我们要听民乐！”笔者曾听过上千场音乐会、演唱会，包括崔健、“唐朝”、“黑豹”等摇滚乐专场，台底下冒出这样的声音还是第一次。

平心而论，音乐总监作曲编配的序曲《天之西――献给王洛宾》、间奏曲《花样年华》以及《新古典主义》、《大河之舞》和《辉煌》等约占三分之一的作品，观众并不十分挑剔，掌声也多发自内心。而15首经由他人操刀上手重新编配的“王洛宾音乐主题”，同原作拉开了审美心理的距离。《掀起你的盖头来》、《玛依拉》、《半个月亮爬上来》等人们耳熟能详的歌谣，其完整的音乐形象和连贯旋律线条被肢解剥离，切割粉碎成最小的语言单位，结结巴巴断断续续地话不成句。《半个月亮爬上来》飘逸柔曼的情调、《在那遥远的地方》含蓄内敛的本质，一概消解得无影无踪。从音乐的表现角度看，一切诸如悦耳动听、优美抒情的观念都不复存在，民族音乐最本质的神韵随之散失殆尽。从现场的演出效果看，越是原作保留得相对完整的作品，观众认同欢迎的程度反而越高。可惜这样的作品不超过三两首。

听过“乐坊”曾经称霸市场的“辉煌”、“奇迹”等大碟，发现其专辑中音乐语言风格单一，编配者过分关注音响的效果，而忽视音乐的内在品质。电声的成分极端夸张而喧宾夺主，节奏音型与和声织体，因缺乏更丰富的手段与内涵而派生另一种单调与平庸。最致命的是，12件民族乐器的演奏技法非常单一，技术难度系数低，常常沦为陪衬和装饰，其个性与特色的华彩相当有限，乏善可陈。但是，这又有什么关系呢？女子十二乐坊已然成为一个耀眼的金字招牌。2004年，某个以原产美女闻名遐迩的城市，放着自家美女弃之不用，偏偏舍近求远恭请北京的女子十二乐坊作城市形象代表；2005年，美国一家生产专业话筒和音频电子产品的制造商舒尔（SHURE）电子有限公司，正式签约女子十二乐坊作为其亚洲地区赞助乐队，“形象”愈发体面风光。如果真的有一天，乐坊只剩下“看”而丢失了“听”的基本功能，还剩下多少艺术本体的价值？

神话的解读与误读

许多人百思不得其解：“乐坊”缘何仅以短短三两年“团史”，竟然获得如此传奇式的成功？中国民族管弦乐学会会长朴东生自有一番见解，他认为，个中独特的玄机奥妙“既非运气，更非神话”。他为“乐坊”总结了几条经营之道：1.公司化的定位，为其自主发展提供广阔空间，可以完全按照自己的主打理念决定风格与特色；2.产业化的理念，精密的成本核算，艰苦的价格谈判，将寻求自我实现的机遇，建立在投入与产出两者平衡的基础上；3.市场化的运作，坚持唱片先行的立体化宣传，这是“乐坊”操作最为娴熟的战术谋略，也是与其他乐队组合相比，最为突出的优势。

从积极的方面看，女子十二乐坊的诞生、活跃、成长、发展，无疑是中国民族音乐值得庆幸的好事。她们以独具的智慧与成功的实践，为寂寞的民乐舞台注入了蓬勃的生机与活力，增添了新的声音与色彩，为民乐领域创造出唱片和演出双嬴的一个又一个奇迹，女子十二乐坊的日程安排，其密度与强度甚至超过职业乐团的音乐季。

但是，如果品牌一旦做成了名牌，假冒的仿造的便开始纷纷露头。最近一年间，“李逵”遭遇“李鬼”的无奈，“东施”追逐“西施”的烦恼，时时困扰着“乐坊”。由此带来的连锁反应，恐怕始作俑者始料未及。虽然，堂会里明目张胆冒名顶替的“女子十二乐坊”少了，但是，舞台上的“模仿秀”却蔚然成风愈演愈烈。原本，二胡、古筝坐姿改站姿，并非“乐坊”发明；扭摇摆胯，也非“乐坊”独创。但是，这些表演元素过于集中，便形成一种视觉上的强刺激。很个性的大导张艺谋不是还在雅典奥运会闭幕式上做过演练吗？现在，连中央级国字号大乐团，也心甘情愿放下架子，虚心向这个民营“小作坊”学习。前不久，《盛世民乐》亮相京城，一群大老爷们在台上扭腰摆胯，实在有些不忍目睹，他们的形体姿态哪里比得上“乐坊”姑娘的妙曼优雅轻盈灵巧呢？

我们的民乐怎么了？在舞台上不扭摆不摇晃就不会演奏了吗？电光炫彩烟雾迷蒙加摇曳生姿左顾右盼，如法炮制一剂民乐的“速效救心丸”，倒底救得了多少团队组合？一个女子十二乐坊红火了，百十个女子乐队组合站起来。大家争先恐后追风赶潮，一窝蜂地在“女子”二字上做文章、下工夫，盲目地走进打“女子”品牌吸引眼球，刺激文化消费市场的误区。这股劲风甚至已经开始在校园里蔓延，如中国戏曲学院音乐系女生，原本入学习练弓弦乐、弹拨乐，无人师承打击乐。经“高人”指点，攒起一支女子戏曲打击乐组合，而那些正式学习打击乐专业的男生反被统统拒之门外，身手再好，技艺再精，一律靠边站。他们的初学乍练招式生涩的师姐师妹们，照样在舞台荧屏上风光无限。

正如朴东生所言，女子十二乐坊成功的奥秘并不仅限于在舞台上扭摆摇晃。只学了“一招鲜”就想吃遍天？何况，女子十二乐坊的经验之道，只是民乐发展进程中一条可行的路。为何大家都不愿独辟蹊径、自创门派？一枝独秀，难成气候；百花争艳，春色满园。倘若我们的民乐演出舞台，只留下 “乐坊” 一种模式，文化消费者的新鲜好奇还会持续多久？如果大面积爆发审美疲劳派生心理厌倦，恐怕更大的悲哀将在一片欢呼之后引发持久的阵痛。