作者：shezad khslil

　　采访人：shezad khslil

　　受访人：Sonia Sabri

　　Sonia Sabri的舞团成立于2002年，以北印度的时代化的古典舞Kathak为主要演出剧目。集艺术总监、编导、舞蹈演员于一身的Sonia Sabri认为，她将古老的Kathak时代化的创作灵感，源自于她相信社会总是在不停地演变和进化，在这个变化中，Kathak也需要吸收和发展新的舞蹈元素和语言。Sabri平时既负责群舞的创编，又负责独舞的创编，在接下来的采访中，她将主要讲述独舞编排的重要性。

　　shezad khslil：为什么你认为独舞对传统的Kathak，对现代舞，对你个人，都是至关重要的呢？

　　Sonia Sabri：传统意义上，Kathak就是一种单人表演秀，内容包括舞蹈、人声（歌唱和朗诵）、乐器弹奏和手势、肢体动作表演。在英国殖民统治期间，Kathak中的舞蹈部分占据了主导的地位，并且一直延续至今。

    我个人认为，欣赏和表演独舞，都要求一种特殊的文化底蕴和一种沉醉的精神状态。比如，在西方国家，现代舞中的独舞部分往往不受观众青睐；而芭蕾中的独舞部分却往往是演出中的精彩华章。究其原因，大概是因为芭蕾从创立之初就一直很重视独舞体裁的表现。

    在英国，Kathak中的群舞部分也比独舞要受欢迎得多。这是因为群舞的空间造型更能体现现代舞的特征。

    Kathak中的独舞演员需要具备精湛的技术和传神的感染力。演员在演出时，既能够把观众完全牵引到舞蹈意境中去，还能够让观众感受到现实生活的美好。能够达到这样水平的艺术家，会被认为是造物主赐予人类的礼物；包括他／她所拥有的舞蹈技艺，也被认为是造物主对人类的馈赠。在印度次大陆，许多人都信奉宗教和神祇，他们认为舞蹈中的精神意境是可以通神的；同时，神也希望人们不断地追随他的指引，探索神谕的真谛。而探索的方法是多种多样的，最基本和最重要的方法，就是舞蹈和音乐。舞蹈已经成为了一种媒介，观众通过它去感受更美好的、有思想的、有感情的事物。

    因此，Kathak的独舞风格以成套动作的复杂性和技术难度为主要特征。人们认为独舞演员是得到了天赐的祝福和力量，才能够展示这些高度精细和复杂的舞蹈技艺。独舞演员能够带给你一种独特的个人体验，可以与神对话的能力，为你打通所有可能的途径，无限接近和感受神祇！

    但是群舞却往往不能带给我们这样的感受，因为观众失去了和舞者的个人交流。当舞台上只有一个演员时，观众的所有注意力都在他／她身上，能够形成一对一的亲密交流。Kathak允许独舞演员和观众有直接的眼神交流，更好地把观众牵引到舞台故事中去；而群舞花哨的不同步的形式和内容则容易转移观众的注意力。这也就是为什么在南亚和更东的区域，独舞演员受到更多尊重和喜爱的原因。

    但是独舞的重要性在现代舞的领域里却越来越小。原因有多方面，比如，演出的主办方认为独舞是传统形式，不能符合现代观众的欣赏口味；观众认为独舞没有大的场面，花钱只看一个人跳舞不划算等。正因为主办方不愿意安排独舞的演出，所以观众对独舞就越来越陌生，越来越忽视了。

　　要编排一个有吸引力的成品独舞，需要大量的有天赋的舞蹈苗子和表演家 （这本身就很难找）。另外，编排者要有这个能力，让舞蹈既能在视觉上引人注目又能在情感上引人入胜。

　　要编排群舞的大场面／场景相对来说比较容易。群舞本身就拥有更多的视觉元素，比如众多的演员和他们不断变化的身姿；每个人都各不相同的动作和站位等等。这些视觉元素可以即时地创造出很多变化和场景，吸引了观众的注意力，同时也分散了他们象观看独舞时那样的思考能力。我想正是因为上述原因——当然上述还不是全部——（人们）对独舞的追求和热情正在逐渐减少。

　　我希望可以对独舞进行改造，通过对古典舞和现代舞两种不同审美体系进行研究，从文化、舞蹈理论基础、生长环境、舞蹈发展方向、情感表达方式等方面，找出二者之间和谐共生的联系，糅合到独舞中，使独舞艺术长盛不衰！在我的Kathak领域里，我不断地致力于培养优秀的编舞者和舞蹈演员，以推动独舞艺术的发展。     

　　shezad khslil：你怎样创编你的每一个舞作品？是有一定的编舞模式还是每个舞都完全不同？

    Sonia Sabri：每个舞都完全不同。当然这要取决于我是否有灵感，舞蹈的主题、音乐等。我要考虑这个舞是抽象表达还是主题事件；是以情感渲染为主还是以技巧展示为主；需要体现古典舞风格或是现代舞元风格等。如果我还没有任何思路，我会试着去收集，或者打开所有渠道去找灵感：音乐、文本、电影、画作、风中的落叶…… 任何东西！

    如果我已经有了点思路，我会顺着思路延伸出去，几个小时，甚至几周。通常的情况是，在思路延伸的过程中，这个创意适合编成独舞还是群舞，逐渐清晰。有时候，我又会想，是不是需要编一个独舞？

　　shezad khslil：你的独舞作品如何考虑到观众的喜好和审美情趣呢？尤其是在排练阶段？

　　Sonia Sabri：这就是最需要考虑的地方，我希望观众看到和感受到的，还有我不希望观众看到和感受到的。我创作的每一个作品和动作，都要有明确的主题和诉求。比如，如果我不希望观众看到某个事物，我会问自己“为什么不？”或者“这个动作到底表达什么意思？”等。又比如，编舞时原本设计了一个面朝观众的动作，后来我又让这个动作换了个角度，背朝观众。每一个动作都需要被不断地重复和调整，调适到最后最好的版本才可以放到舞台上演出。

    对舞蹈动作语言的熟练掌握，可以搭建观众和演员之间的桥梁；同样的，好的作品跟舞蹈动作一样，能为演出带来高潮。当然，作品的高潮也可以通过音乐及其他与作品主题产生丰富对照的动作语言来体现。我总是很在意观众的感受，所以有时候我会走出我的创作世界，客观地看自己创作的是什么东西。我也会把我的创作过程录制下来。我还会邀请我的圈子之外的朋友，来给我的创作提意见。有时候舞蹈不要只为大多数人而创作，因为我们还存在一部分并不懂舞蹈的观众。

    shezad khslil：你如何分别评估你在排练阶段、演出中和演出后的独舞作品？

    Sonia Sabri：我在排练阶段和演出后都会通过录像资料来看整个过程。我会分别和熟悉与不熟悉我的舞蹈的人来讨论作品，如果他们对作品的某个部分都有同样的意见，我就会去重新修改和设计这个部分。

    在评估自己的作品时，我会将重点放在对体力分配的利用、编排的变化、节目的高潮和平谷、演员的搭配和互补、动作的对比差异性、动作的质量、空间移动的设计等上面；还有编排的合理性，为什么某段组合要设置在某段特殊的旋律里等。要能够回答自己以下问题：这一段舞蹈可以被放到其他地方吗？多重复几次可以吗？它是否表达了它应该表达的意思呢？整个作品是不是达到我在编创之初设立的目标呢？

    这些自我评估的手段，对于我，一个编舞家和舞蹈家，是极其重要的！我认为对舞蹈的评估也是舞蹈编创不可或缺的组成部分，它是唯一能帮助我们不断提高和进步的指示牌。

　　（实习编辑：赵裴）