艺术家罗必武

　　采访者：欧宝静

　　受访者：罗必武

　　导言：提起罗必武，会先想到他创作于上世纪90年代的《遛狗的时候看见那棵树长高了》，这件作品当年在中国美术馆展出后被收藏，并入选《二十世纪中国美术作品集1900-1999》，作为入选中最年轻的艺术家，罗必武亦因此崭露头角。在此后的十多年教学和创作中思考不断变化、视觉不断打开，作为第二代丝网版画代表者之一的罗必武，拒绝在版画本体语言及现代语境中孤芳自赏，从版画本体延伸到与当代艺术的综合衔接上。

　　早几年，“印在”概念的提出，使他的思维完全改变——在丝网版画中有一个明确的方法论是：除了水和空气，其它材料都可以承印。罗必武说，“自2006年以来，我开始在学生的毕业创作中寻找这种方式与当下语境、当下艺术发生关联的一些探索，发现以往版画都是在纸本上印刷，‘印在’主张的不仅仅是印在纸张，甚至可以印在不同的现成物上，使作品与材料发生综合的关系，整体地呈现版画在场和材料密切对话的可能性。”

　　当思路打开，我们便在罗必武的思考中看到了他与世界的对话方式，上月在广东美术馆展出的“罗必武：戏仿与箴言”，便是他近十年来思考的最有力呈现。

　　此次展览策展人胡斌用了两个关键词“戏仿”和“箴言”概述此次展览。他说，“‘戏仿’是指他作品中的魔幻性，对应碎片化时代因素，构建起一个超现实的隐喻的空间，这个隐喻的空间有一种调侃和讽刺的意味。然而罗必武的作品又不仅仅有戏仿、调侃、讽刺，还有情怀，即按照现代流行话语来说还有某种精神性，这种精神性和他一以贯之的思考联系在一起，所以我用了另外一个关键词‘箴言’，‘箴言’是有一种宗教的意味，即他对于这个碎片化时代有一种精神性的见解或担忧，这就和‘戏仿’构成了一种冲突性的两极关系，正好对应当下时代的矛盾心理。另外值得一提的是，他作为一个版画家，在创作中有一种开放观念，沿着这个思路，自然而然进入到装置及其他媒材的探索中，所以此次展览中也呈现了一些多媒材作品。”

《浮起旳事件-没有疑惑》 罗必武 120X150cm  油画  2014年


罗必武《出门与回家》 丝网版画 70x70cm 2016年

　　多元思维下的“戏仿事箴言”

　　记者：此次展览的契机及线索是怎样的？

　　罗必武：广东美术馆大概在两年前提议做这个展览，但由于我近年长期指导毕业创作，少有整块时间系统地梳理自身近年的创作思路，所以一直到现在这个展览才得以呈现出来。整个展览我大概准备了一年多时间，把近十年形成的思路重新梳理和实践，呈现几个阶段的创作，多元化地探索不同角度，包括通过丝网版画技术呈现而出的装置作品，当然也有油画作品，这些创作以往在群展中也偶有出现，但均没有太多机会这么完整、系统地展示。相对来说，广东美术馆这个展览空间也更社会化，通过作品的呈现，告诉观众我在做什么、我的思考线索系统是怎样的。

　　记者：展览呈现一种丰富的效果，这些作品创作背后分别有着怎样的思考？

　　罗必武：《出门与回家》本是一件很早期的丝网版画作品，这次重新创作，又往它原来的单纯性推进了一些，回归到作品材料的独特性，我更突出袋子造型而非突出它的物质性重量。在这些支撑下，民工的形象在作品中离开华丽背景，强调他们的精神面貌而非繁复工作带来的现场感。当离开了背景，我们便可以透过他们的身份，去追寻一些线索。这个过程有一种有意或无意、似是而非的感觉，与观众产生对话。

　　《油桶》这件作品大概在四年多之前就开始构思，与我在版画中提出的“印在”概念密切相关。从构思上说，我借助一个关注当下社会的国际视角，讲述资源掠夺与文明冲突所带来的战争，但我不能直接展示战争，作为艺术家，我们要有自己的角度与态度，于是我将宋代山水画置于油筒中，诗意地置换出现实中人民逃难的情境，颠覆宋画中原有那种天人合一的诗意。在这个过程中，材料所带来的指向性，可以帮助我们理解版画在当代中的各种实现可能性。

　　《书》这件作品大概在2009年时，我做了一个雏形，带到意大利展览，被那边的基金会留下了，只是那时思维没有现在这么清晰，更多是指向一座城市化进程留下的碎片，“书”的概念及里面的图片关系也比较随意，没有进行精挑细选做得更完整。这些年来不断地思考这件作品，去年9月在中国美院的国际版画展上，我又带去一部分作品，反响不错，于是这件作品慢慢地就成熟起来了，今年规模做得比较大，差不多做了一千片瓦片，但展厅有限就只拿了一半出来。这些瓦片我都是在城中村去找，他们都住上了小洋楼，用不上这种瓦片了，原有封闭的农业社会家族关系也不断地被冲击，被碎片化。通过“印在”的概念，我将这些瓦片做成线装书，想到的是古人用做汉简时所带来的文化担当与守望。

　　至于《等待洪水》及《无字碑》等作品，有无版画语言已不重要，它们就是整体多元化思维的一种延伸，是我尝试去建构的一种超现实。《等待洪水》暗喻的是这个时代中我们的自我拯救。我们制造了很多生活物件，但是不是都有用？创造的过程其实我们也在疏离，人与人情感疏离、人与社会的疏离。所以我用一把梯子，放置了很多有着梦幻色彩的动物模型，形成一种距离感，以警惕陷入自我拯救怪圈中的我们，如何寻找一个更好的出口。作为一个艺术家，我们要敏感地在生活洪流中看到问题，并产生思考。

　　《无字碑》的创作材料比较特别，海盐。我在希腊看过很多作品都很宏伟，他们追求一种永恒，可是不少最后也毁掉了。这次展览有三件作品我用盐进行创作，提出：怎样才是永恒？盐是人类长久而朴素的一种生活元素，也是人类离不开的一种生活元素，除了调味，还有防腐、清洁等作用，很日常，也很容易消解掉。我们其实很脆弱，然而在很多宏大事件过后，却很容易淡忘这种脆弱。我使用这种材料，通过纪念碑的方式做出来，正因为盐是来解构或阐释我们内心最好的元素。

罗必武《书》 瓦片、丝网版画、麻绳 面积：30平方 2016年

罗必武《等待洪水》 装置 尺寸可变 2016年


罗必武《无字碑》 食用盐、海盐、玻璃钢底 高280cm、底座40x60x50cm 2016年

　　不满足于本体语言，涉足观念与当代

　　记者：通过您的阐述，可以感受到您的视角比早期更开阔了。

　　罗必武：在广美附中时期我的毕业创作做的是木刻版画，那时更倾向于乡土版画，然后在大学时期就跳开了这个领域，很快往现代、当代主义思维转变。当时国内对于这一块的线索梳理可以说是空白的，资料非常少。上世纪80年代末90年代初，我开始接触安迪·沃霍尔的作品画册(英文)，不一定能完全看明白文字，但开始在画面中意识到一些东西，在整个求学过程中不断发展，而非停留在教学中汲取到的内容。研究生毕业时对我来说是一次较大的转折，跳出乡土版画作为主流版画的发展形态，不仅在本体语言上寻找发展的可能性，还在观念上有所涉足，尽管当时还不成熟，但开始有了这种感觉。

　　早些年我的创作主要线索是对青春远去的一种追问，象征性更强一点。上世纪90年代初，恰逢经济转型，“下海”、“停薪留职”、“文凭”等等，都变成很重要的词，经济作为主导的时代，不经意间身边发生翻天覆地的变化，带来人的变迁与生活的改变，令我们感觉到非常热闹和丰富，那时候我会从最贴近的生活去观看青春在不知不觉中流失，指向一个未明来未，有一点惆怅。

　　后来，一边教学一边参与一些生活所需的事情，比如室内设计、平面设计等，这个过程慢慢让我淡忘了那些敏感的情绪，当被生活拉得扁平化后，再安静下来，发现生活还在前进，艺术需要寻找一个归属去去寄托一些东西，庆幸的是我还在追问。此时，艺术也在不断突飞猛进，触动我的是艺术与生活的界线，当我们融入生活中观看艺术，发现这条界线已被打破， 当新的视角、观点以及哲学思想在这个时候进入到脑中，令我参与到社会熔炉里，追问与思考所做的事情意义所在，最后还是回归到艺术发展的规律中，以一种艺术家特有的关系去观看这个世界，重新找回与世界关系对话的机会。

　　阅读量增加，出国的机会增多，当视觉进入到数字化社会，所看到的也就更为多元化，令我从一个多维的角度去观看自身与世界的关系。应该说，是从一种直线思维进入到一种碎片化的多元思维中。在这些思考过程中，也带出我在教学上的新观念，不断地推进我与教学的关系。

　　记者：您作为第二代丝网版画家代表之一，这些年来深扎在这个领域，有没有较深的体会？

　　罗必武：丝网版画这个版种引进来的时候，开拓者要从木刻语言转换到丝网的语言，过程中必定带着原有的版种痕迹，这种奉献精神也是挺不容易的。到了第二代，才真正回归到丝网版画的本身语言，对其中的精细关系进行探索，因为没有参照，只能慢慢摸索，这个过程大概持续了十年时间，然后我们这一代并不满足于本体语言作画，更多地涉足观念，与当代艺术发生关系。

　　版画与油画或国画那种在纸上的痛快淋漓或偶发性有很大不同，版画先要把构思和程序放在前面，在有限的工具里做出丰富的内容，以少胜多，不能做加法，只能用减法。自1986年我学习版画至今，这种程序化深深影响着我，以致我做任何事情都首先要有一个相对合理的布局，才会继续去执行。

　　另一方面，版画还可以让我们读到一些痕迹，版画注重事件所带来的痕迹，但在这里我所说的痕迹是生活中捕捉的痕迹，由版画家的敏感度而生，从事件关注进入到对痕迹的记录再转换到媒材的表述，其实也可以为我们带来更多共鸣。轰轰烈烈的事情总是要过去，但是我们总是要在这个过程中间思考、沉淀一些事情，我们才会在创作中呈现出更多的思考。

“罗必武：戏仿与箴言”展览现场

　　这个时代需要“跨界”思维

　　记者：此次展览也展出了您的油画作品，您如何看待创作中的“跨界”？

　　罗必武：大概在2007年我真正开始油画创作，但并不是将之当成油画的关系去对接，而是自然而然地带入丝网版画的语言和思考方式。对于我来说，油画讲究的空间与虚实都不重要，重要的是，如何去建构画面中的语言。2011年大运会期间，我在深圳大学美术馆策划了一个展览，邀请国内重要版画家拿油画作品来参展，艺术家们在跨界思维中探索各种可能性。以往大家对版画家的印象，大多觉得技术深奥、思维刻板，可是在这个展览里，没想到艺术家们这样活跃，在版画思考里与当代进行对话。

　　这是一个多媒介时代，各个角落都会有很多媒介的东西出现，我们思考的已不再是笔触问题，而是作为重要支撑的背后的知识结构。跨界思维对艺术家来说是一种很重要的思维，当然直线思维也很好，但这个时代似乎更需要跨界思维。

　　记者：您如何看等如今越来越多艺术家向策展人身份转换的趋势？

　　罗必武：目前很多艺术家也参与一些策展工作，通过策展行为来表达自身观点与态度，有些艺术家比较敏感于这样的思维，在实现过程中去分析以什么角度呈现艺术家，这样对自身未来的创作及展览也会有帮助，思考得更丰富，可能会与批评家或理论家作为策展人呈现一个不一样的视点。但这毕竟是少数，因为要花很多时间精力，艺术家的时间精力主要还是在创作上。

罗必武《大满贯》 铁丝网、夹板、丝网版画 980x244x20cm 2016年


《迁-海平线》罗必武 65X95cm  丝网版画  2014年

　　记者：对毕业创作进行指导时，您似乎也是较为领先地提出“策展”理念？

　　罗必武：早在2006年我带本科毕业班时，就提出以策展人的身份指导毕业创作，并提出“印在”或“版的极限”等思路，学生就会围绕这些思路进行创作。当有一个明确的目标，他们的主动性就会更强，这样在沟通过程中也很容易带出他创作背后的思考。直到2011年我带毕业生做创作，还在推进“印在”这个思路，展览展览学生在毕业展中获奖最多，我也出了这方面的理论书，变成教学的方法论形成一种教材，受到很多同行专家肯定。

　　广美版画系在整体教学上比较成熟和完整，石版、铜版、木版、丝网版、综合版等，版种比较齐全，每个老师上课教学思路比较清晰。当然，版画制作背后的辛酸也是蛮多，从技法开始学习，到对材料的熟悉，然后是手工劳作的协调、熟练，通过比较深入的过程才能体会到材料带出来的美感或画种的特点，然后才是体现个人风格的时候。

　　我上课的时候跟学生说，30岁之前最好学过版画，这会帮助你们去知道艺术还有另外的层面和方法去看这个世界，版画在制作中体现的间接性及概括性的“减法”思维，还有材料本身的直接性阐述，本身潜在很大能量，只是看每个人从什么角度挖掘，这就是版画的魅力。

　　记者：谢谢罗老师！

　　（编辑：杨晶）